¿Esto es Gaita?
por Javier Porras
Texas 2026
Prólogo
La gaita es mucho más que un género musical. Es una expresión cultural profundamente arraigada en la tradición navidena del venezolano. Es una tradicion que habla de festejo, de vida, puede ser jocosa, o protestataria, propulsa el amor, de la esperanza y de la lucha. Nos conecta con nuestras raíces y nos recuerda quiénes somos y de dónde venimos.
En "¿Esto es gaita?", Javier Porras nos invita a explorar el mundo de la gaita desde una perspectiva única y personal. Con su pluma ágil y sus profundos conocimientos, nos sumerge en la historia, la el desarrollo y adaptacion de este apasionante genero musical, invitandonos a disfrutar de las diversas facetas de la gaita venezolana.
A través de estas páginas, descubrimos la evolución de la gaita a lo largo del tiempo, desde sus orígenes en el folklor del aporte indígenas, espanol y africano, hasta su consolidación como uno de los géneros más importantes de la música popular venezolana. Aprendemos sobre sus variantes y estilos, y sobre la forma en que ha influido en la cultura y la identidad de las comunidades que la han adoptado como propia.
Pero "¿Esto es gaita?" no es solo un libro sobre música. También es un libro sobre la vida y las personas que la hacen posible. A través de las historias de los músicos, compositores y cantantes que han dedicado su vida a la gaita, conocemos las alegrías y las dificultades de una profesión que exige talento, pasión y sacrificio.
En definitiva, " ¿Esto es gaita?" es un libro para todos aquellos que la aman y cultivan , y que desean conocer más sobre la gaita venezolana, esa que suena en navidad y que la diaspora no se exime en tocar donde quiera que este. Es un libro que nos invita a sentir la gaita de una manera mas abierta y menos regionalista. Es un libro que nos recuerda que la gaita es algo más que furro, charrasca, cuatro y tambora. Es para muchos, una forma de vida.
Cesar Rondon.
LO QUE SE CONOCE HOY DIA COMO “GAITA” EN VENEZUELA
La gaita es un género musical muy importante en la cultura de Venezuela, especialmente durante la época navideña. El origen de la gaita en Venezuela se remonta a la época de la colonización española, cuando los esclavos africanos que habían sido traídos al país empezaron a mezclar sus ritmos y melodías con la música española y los instrumentos europeos.
Se cree que la gaita venezolana tiene sus raíces en la música de los indígenas wayúu de la región de La Guajira, en la frontera entre Venezuela y Colombia. Los wayúu tenían un instrumento llamado la charrasca, que consistía en una raspa de madera con ranuras y una placa de hierro o de madera que se raspa para producir un sonido rítmico. Este instrumento es todavía utilizado en la gaita venezolana.
En la época colonial, los esclavos africanos que trabajaban en las plantaciones de la región del Lago de Maracaibo también empezaron a utilizar la charrasca y otros instrumentos de percusión para crear sus propias canciones y ritmos. Con el tiempo, estos ritmos se fusionaron con la música española y otros instrumentos como el cuatro, la guitarra y el tambor.
Durante elsiglo XIX y principios del siglo XX, la gaita se convirtió en un género musical popular en la región del Lago de Maracaibo, especialmente durante la época navideña. Las gaitas se tocaban en las fiestas patronales, las bodas y otros eventos sociales.
En la década de 1960, la gaita comenzó a expandirse a otras regiones de Venezuela, gracias en parte a la popularidad de grupos como Los Cardenales del Éxito, Maracaibo 15 y Gran Coquivacoa. Estos grupos modernizaron el sonido de la gaita, incorporando nuevos instrumentos y arreglos musicales.
Hoy en día, la gaita sigue siendo un género musical muy popular y representa una parte importante de la identidad cultural de Venezuela. El Festival de la Gaita de San Francisco de Maracaibo, que se celebra cada año en noviembre, es uno de los eventos más importantes del calendario cultural del país, y atrae a miles de personas de todo el mundo.
En resumen, el origen de la gaita en Venezuela se remonta a la época de la colonización española, cuando los esclavos africanos y los indígenas wayúu empezaron a fusionar sus ritmos y melodías con la música española. La gaita seconvirtió en un género musical popular en la región del Lago de Maracaibo durante el siglo XIX y principios del siglo XX, y se modernizó en la década de 1960 gracias a la popularidad de grupos como Los Cardenales del Éxito, Maracaibo 15 y Gran Coquivacoa. Hoy en día, la gaita es una parte importante de la identidad cultural de Venezuela y sigue siendo un género musical muy popular durante la época navideña y en otros eventos sociales.
Que es lo que no se pretende: Otra investigación Folklórica de la Gaita en Venezuela
Es importante aclarar que el enfoque del presente ensayo que tienes en tus manos no se centrará en una investigación folklórica de lo que es la gaita en Venezuela. Si bien la historia, la evolución y la estructura musical de la gaita son temas relevantes e interesantes, nuestro enfoque será distinto.
Nos centraremos en el análisis de cómo la gaita ha influido en la cultura y la identidad de las comunidades que la han adoptado como propia. Este enfoque no es tradicionalmente una investigación folklórica, sino más bien un enfoque antropológico o sociológico.
La gaita es una expresión cultural compleja que puede ser abordada desde múltiples perspectivas, y no existe una única forma "correcta" de investigarla o escribir sobre ella. En cambio, nuestro enfoque se centrará en la exploración de cómo la gaita ha influido en la cultura y la identidad de las comunidades que la han adoptado como propia.
De esta manera, presentaremos una argumentación sólida y bien respaldada sobre el impacto de lagaita en la cultura y la identidad de las comunidades venezolanas que la han adoptado como propia. Analizaremos las letras, los ritmos, los instrumentos y los contextos en los que se toca la gaita, para entender cómo esta música ha sido utilizada para transmitir historias, valores y tradiciones a lo largo del tiempo.
Es importante destacar que nuestro enfoque no busca minimizar la importancia de la investigación folklórica en la comprensión de la gaita en Venezuela. De hecho, el análisis antropológico o sociológico que proponemos puede ser complementario a la investigación folklórica, y permitir una comprensión más completa de la gaita como expresión cultural.
En resumen, nuestro enfoque en este ensayo no se centrará en una investigación folklórica de la gaita en Venezuela, sino en el análisis del impacto de la gaita en la cultura y la identidad de las comunidades que la han adoptado como propia. Este enfoque nos permitirá explorar la gaita desde una perspectiva antropológica o sociológica, y presentar una argumentación sólida y bien respaldada sobre el tema elegido.
Es importante tener en cuenta que la gaita es un género musical muy importante para muchas personas en Venezuela y en otros países de América Latina, y existen distintas opiniones y puntos de vista sobre lo que es o no es gaita.
En resumen, este ensayo sobre la gaita venezolana lo escribo de manera respetuosa y rigurosa, sin necesidad de entrar en conflicto con los puristas o expertos en el género. Dando importancia con argumentación sólida y bien respaldada, basada en la investigación y en la comprensión profunda del tema, y reconociendo que la gaita venezolana deriva de la gaita zuliana con vida propia como género musical dinámico y en constante evolución, aceptado por diversas opiniones y puntos de vista.
Nivelacion de los Antecedentes de la Gaita Zuliana
Para comprender y dejar en claro este ensayo, es pertinente explorar un poco los antecedentes de la musica venezolana, hispanica e inclusive conocer sus conexion con el flamenco, musica arabe e inclusive la musica indu.
Por ello trataremos en un principio el genero de donde se hereda tanto instrumentos como formas liricas, melodicas y armonicas como lo es el villancico espanol.
La Gaita Zuliana y El Villancico Espanol
El villancico es una forma musical que se originó en España durante la Edad Media, en los siglos XIII y XIV. La palabra "villancico" deriva del término "villa", que se utilizaba para referirse a las aldeas y pueblos, y que en este caso hace referencia a canciones populares que se cantaban en las aldeas durante las fiestas religiosas.
Inicialmente, los villancicos eran canciones profanas que se cantaban en las fiestas populares y que tenían una estructura sencilla y repetitiva. Con el tiempo, los villancicos evolucionaron y empezaron a incluir elementos religiosos, como referencias a la Navidad o a la Virgen María.
Durante los siglos XV y XVI, los villancicos se convirtieron en una forma musical muy popular en España y se difundieron por toda Europa y América Latina. Los villancicos se cantaban durante las festividades religiosas, como la Navidad, el Día de los Reyes Magos o la Semana Santa, y se caracterizaban por tener letras que hablaban de temas religiosos, pero también de la vida cotidiana y de la naturaleza.
Los villancicos se componían generalmente para ser interpretados por varias voces, y se acompañaban de instrumentos como la guitarra, el laúd, la flauta o el tamboril. Además, se solía utilizar una estructura estrofada en la que se repetía una misma melodía en cada estrofa, y se incluía un coro para dar énfasis a las partes más importantes de la canción.
Con la llegada de los españoles a América Latina durante la época colonial, los villancicos se difundieron por todo el continente y se fusionaron con las tradiciones musicales locales, dando lugar a nuevas formas musicales como la gaita zuliana en Venezuela o el huayno en Perú.
Hoy en día, los villancicos siguen siendo una forma musical muy popular en España, América Latina y en otras partes del mundo, y se siguen interpretando durante las festividades religiosas y en otras ocasiones especiales. La música y las letras de los villancicos han evolucionado con el tiempo, pero todavía mantienen la esencia de su origen popular y religioso en la Edad Media.
La gaita zuliana y el villancico tienen una relación histórica y temática muy estrecha. El villancico es una forma musical que se originó en España durante la Edad Media, y se caracterizó por ser una canción popular en la que se mezclaban elementos religiosos y profanos.
Durante la época colonial, los españoles introdujeron el villancico en América Latina y lo adaptaron a las tradiciones locales. En Venezuela, el villancico se fusionó con la música de los esclavos africanos y los indígenas para crear la gaita zuliana.
La gaita zuliana se caracteriza por tener letras que hablan de la vida cotidiana, la religión, la política y la cultura de las comunidades del Lago de Maracaibo, en Venezuela. Muchas de estas letras tienen una temática navideña, que hace referencia a la celebración del nacimiento de Jesús.
La relación entre la gaita zuliana y el villancico se puede observar en la estructura de ambas formas musicales. Tanto la gaita zuliana como el villancico tienen una estructura estrofada, en la que se repite una misma melodía en cada estrofa, y en la que se utiliza un coro para dar énfasis a las partes más importantesde la canción. Además, ambas formas musicales suelen incluir instrumentos como la charrasca, el furruco y el tambor, que son comunes en la música folclórica de América Latina.
En cuanto a la temática, tanto la gaita zuliana como el villancico tienen letras que hablan de la vida cotidiana y de la religión. En el caso de la gaita zuliana, las letras suelen hacer referencia a la vida en las comunidades del Lago de Maracaibo, mientras que en el villancico las letras hablan del nacimiento de Jesús y de la adoración de los pastores y los reyes magos.
En resumen, la gaita zuliana y el villancico tienen una relación histórica y temática muy estrecha. La gaita zuliana se originó a partir de la fusión del villancico español con la música de los esclavos africanos e indígenas en Venezuela, y comparte con el villancico una estructura estrofada y la inclusión de instrumentos folclóricos. Además, ambas formas musicales tienen letras que hablan de la vida cotidiana y de la religión, con una temática navideña en el caso del villancico.
Origen de la palabra “Gaita”
El origen de la palabra gaita es incierto y objeto de debate entre los estudiosos del tema. Existen varias teorías sobre su origen, pero ninguna ha sido comprobada de manera concluyente.
Una de las teorías más aceptadas sugiere que la palabra gaita proviene del término árabe "qādīb", que se utilizaba para referirse a un tipo de flauta hecha de caña. Durante la época de la ocupación musulmana de la península ibérica, los árabes trajeron consigo instrumentos musicales como la qādīb, que se fusionaron con las tradiciones musicales locales para dar lugar a la gaita.
Otra teoría sugiere que la palabra gaita proviene del término latín "catha", que se utilizaba para referirse a una flauta de caña que se tocaba en la región de Galicia, en el noroeste de España. Según esta teoría, la palabra "catha" habría evolucionado a "gaita" con el tiempo.
También existe una teoría que sugiere que la palabra gaita proviene del término celta "gauda", que significa "alegre" o "fiesta". Según esta teoría, la gaita habría sido utilizada en las festividades y celebraciones celtas en la región de Galicia, y su nombre habría evolucionado a "gaita" con el tiempo.
Es importante tener en cuenta que el origen de la palabra gaita es un tema de debate y que no existe una teoría concluyente al respecto. Lo que sí es cierto es que la gaita es un instrumento muy importante en la música folklórica de varias regiones de España y de América Latina, y que su sonido y su presencia en las celebraciones y festividades populares son un símbolo de la identidad cultural de estas regiones.
La zambomba es un instrumento musical de percusión que se utiliza en algunas regiones de España y de América Latina, especialmente durante las festividades navideñas. La zambomba consiste en un recipiente hueco, generalmente de barro o madera, que se sostiene con una mano mientras se raspa o golpea con una varilla o un palo.
El sonido de la zambomba se produce al raspar o golpear el recipiente con la varilla o el palo, y se caracteriza por tener un tono seco y rítmico. En algunas regiones, se utiliza una membrana de piel de animal para cubrir la abertura del recipiente y producir un sonido más resonante.
La zambomba es un instrumento muy popular en algunas regiones de España, como Andalucía, Castilla-La Mancha y Extremadura, donde se utiliza en las celebraciones navideñas y en otras festividades populares. En estas regiones, se suelen organizar "zambombas", que son reuniones en las que se toca la zambomba y se canta villancicos y otras canciones populares.
En América Latina, la zambomba también es un instrumento muy utilizado durante las festividades navideñas, especialmente en países como México, Colombia, Venezuela y Perú. En algunos casos, seutiliza una variante de la zambomba llamada "pandereta" o "pandereta navideña", que consiste en un aro circular con un parche de piel o plástico tensado, que se toca con una varilla o un palo y produce un sonido similar al de la zambomba española.
En resumen, la zambomba es un instrumento musical de percusión que se utiliza en algunas regiones de España y de América Latina durante las festividades navideñas y otras celebraciones populares. Se trata de un instrumento sencillo y rústico, pero muy efectivo para generar un ambiente festivo y animado en las reuniones y fiestas populares.
Es por este antecesor de origen africano, que llega a venezuela y es bautizado como “furruco”, “furro” o “mandullo”. Entonces es adoptado para acompanar parrandas y aguinaldos y porsupuesto la gaita desde sus albores.
Combinancion perfecta: Indígena, Africana y Espanola
La música indígena, afroamericana y criolla son tres formas de música que tienen sus raíces en distintas tradiciones culturales de América Latina.
La música indígena se refiere a la música tradicional de los pueblos originarios de América Latina, que han mantenido sus tradiciones musicales a lo largo de los siglos. La música indígena se caracteriza por el uso de instrumentos como la quena, el charango, el bombo y la maraca, así como por la utilización de melodías y ritmos que reflejan la conexión de los pueblos indígenas con la naturaleza y con sus tradiciones culturales.
La música afroamericana se refiere a la música que tiene sus raíces en la cultura africana y que se desarrolló entre las comunidades afrodescendientes en América Latina. La música afroamericana se caracteriza por el uso de instrumentos como el tambor, la marimba y el guiro, así como por la utilización de ritmos y patrones de percusión que tienen sus raíces en la música africana.
Por último, la música criolla se refiere a la música que se desarrolló durante la época colonial en América Latina, y que fusionó elementos de la música europea con las tradiciones musicales locales, incluyendo las indígenas y las africanas. La música criolla se caracteriza por la utilización de instrumentos europeos como el violín, la guitarra y el piano, así como por la incorporación de melodías y armonías propias de la música europea, pero también de la música indígena y afroamericana. La gaita es netamente mestiza.
Gaita Zuliana por Geografia
Empedrao
Tradicionalmente la gaita ha estado vinculada a la devoción decembrina por Santa Lucía en el barrio El Empedrado, y en este sentido se recuerda que cuando el Padre José Tomás Urdaneta tuvo a su cargo la parroquia, sacó del templo a los bulliciosos gaiteros. Puede decirse que desde entonces la gaita perdió el carácter religioso de que estuvo impregnada durante muchos años en la barriada empedradera, para convertirse definitivamente en instrumento de sano júbilo pascual y en el más eficaz medio de crítica y protesta de la gente humilde.
ha estado caracterizada siempre por la frescura de su música y la agilidad mental de sus intérpretes.
Antes el gaitero solía imrovisar estrofas al iniciar su fiesta:
Abríme, Concha Boscán
que es Telésforo Morillo
que te trae en el bolsillo
queso, chocolate y pan…
O versos de contenido sentimental que contenían el despecho de alguien, hombre o mujer, por la persona amada:
Andá vete, no te váis,
quedáte, no te quedéis.
para la falta que hacéis,
andá vete y no volváis…
La gaita perijanera es una manifestación con elementos teatrales, dancísticos, musicales y religiosos en honor a San Benito de Palermo, para cumplir con la devoción del santo negro o por favores o milagros concebidos. Se celebra durante los meses de Diciembre y Enero.
La fiesta se da cada 27 de diciembre y se extiende hasta enero, y los preparativos comienzan días antes de la fiesta y los organizadores preparan en un espacio determinado una mesa donde ubican la imagen de San Benito, adornándolo con flores, palmas, velones y milagros de oro y plata.
Al llegar los músicos se colocan frente al altar, en el centro del espacio destinado para bailar y alrededor hombres, mujeres, niños y ancianos tomados de la mano comienzan a cantar y bailar. Debe su nombre a la región geográfica donde se ubica, la Sierra de Perija se encuentra en el extremo occidental del estado Zulia. Es resultado de la mezcla de tres culturas presentes en la zona: canarios, africanos e indígenas.
Santa Lucia
El origen de la gaita de Santa Lucía se remonta al siglo XIX, en la Zona Norte del Estado Zulia, concretamente en Santa Rosa de Agua, San Rafael del El Moján, Sinamaica y sitios cercanos, se ha encontrado un canto al cual los habitantes de estos sitios le llaman Gaita a Santa Lucía, y le han conocido en esa denominación a lo largo de muchas generaciones. Se canta en modos mayores y según algunos informantes, tradicionalmente se ha cantado acompañada de: cuatro, charrasca, maracas y furro, no habiéndose incluido la tambora sino hasta después de la llegada del Chimbanguele (del Sur del Lago) a estos sitios.
En toda la zona norte sólo se ha encontrado el estribillo aquí mostrado:
Canten muchachos con alegría
Que esta es la gaita de Santa Lucía,
Gloria demos a Santa Lucía.
Los versos, son generalmente improvisados y tienen la característica de que el coro responde al revés a lo que el solista dice, por ejemplo:
Solista: Los ojitos de Lucía, parecen dos paraparas…
Coro: Parecen dos paraparas, los ojitos de Lucía…
Se canta en honor de Santa Lucía, generalmente para pagarle promesas, se confeccionan hermosos altares donde se le rinde culto con música y oraciones en un novenario comprendido entre el 12 y el 21 de diciembre, (el día de Santa Lucía es el 13), sin embargo, las gaitas se prolongan más allá de esa fecha.Primera gaita cantada en vivo en la radio
En 1928 en una emisora de Radio Experimental llamada La Voz del Lago, propiedad del empresario Pedro Bermúdez, se tocó por primera vez en vivo la Noche Buena de Adolfo de Pool, músico y compositor maracaibero, autor también de la música del Himno a la Virgen de Chiquinquirá de Maracaibo, quién con su propio conjunto dirigió la presentación y ejecución de la gaita en esa emisora.
Primera gaita cantada en vivo en la radio
En 1928 en una emisora de Radio Experimental llamada La Voz del Lago, propiedad del empresario Pedro Bermúdez, se tocó por primera vez en vivo la Noche Buena de Adolfo de Pool, músico y compositor maracaibero, autor también de la música del Himno a la Virgen de Chiquinquirá de Maracaibo, quién con su propio conjunto dirigió la presentación y ejecución de la gaita en esa emisora.
Virgen de Chiquinquirá es el nombre del primer tema grabado en honor de la Virgen María en su advocación de Chiquinquirá, compuesto por Ramón Bracho Lozano y José Mavárez, quienes la grabaron en el último quinquenio de los años cuarenta, con la agrupación Gaiteros del Zulia. No existían solistas porque la gaita era cantada por el coro formado por los músicos.
La producción discográfica llamada Por la senda del folklore, incluyó no solo la gaita, sino también ritmo de la paloma, valses zulianos, décimas, danzas. De allí se recuerdan composiciones como Virgen del Valle, Sucre, Paéz y Urdaneta, En estas pascuas mi vida, Santa Lucía, Antorcha de la Libertad, Virgen de la Coromoto, Carretera Machiques-Colón y San Benito. El trabajo musical fue grabado en los estudios de Ondas del Lago con el sello Euterpe y sonido «Altec».
También hay que mencionar que ese disco se expresó el primer saludo de la gaita a todo el país. Gaita Número 1 y Gaita Número 2, que poseen la misma letra en su estribillo, pero diferente música y diferentes en las estrofas cantadas por solistas que popular y comúnmente denominan versos. Esta gaita se hizo en dos partes por lo extenso que era el tema, el cual abarcaba todos los estados y territorios de Venezuela.
De la India a Arabia y de Arabia a Espana
La musica raiz de este trazo en busca del origen melodico y armonico de generos musicales latonoamericanos se puede localizar en la India, con su escala pentatonica, mezcla de compases binarios y terciarios fue heredada y adaptada por la civilizacion Arabe (siglos V al VIII) . La música árabe, a su vez, ha tenido una gran influencia en la música española (siglos VIII al XV), especialmente en la música andaluza. Durante la ocupación musulmana de España, que duró desde el siglo VIII hasta el siglo XV.
En resumen, la música india influyo en la música árabe, y la música árabe influyo en la música española, especialmente en la música andaluza y flamenca.
Entonces veamos los puntos relevantes que desde la musica espanola se influencio la musica del caribe latinoamericano, que es donde nos interesa ahondar.
En folklore musical canario es muy rico en lo que a géneros se refiere, si bien, son: lsa, Folía, Malagueña, Seguidillas los más conocidos y populares. Cada género musical puede ser propio de alguna zona de Canarias. Y estos fueron los primeros generos exportados por Espana en tiermpos de la conquista, mayoritariamente portado por los marineros de desde la peninsula y el archipielago llegaron a las islas y costas del Caribe. Vemos entonces que especificamente en Venezuela, el joropo, el polo, la decima entre otros generos tienen una gran carga canaria y andaluza (flamenca).
Gaita a San Sebastián
Hace algunos años encontraron en el Colegio Mayor de Maracaibo una partitura escrita en caracteres gregorianos llamada "Gaita a San Sebastián", patrono de Maracaibo desde finales del Siglo XVI.
La partitura tiene fecha de 1668, siglo XVII
Gaita Colombiana
Por otro lado es conveniente aclarar que existe la “Gaita Colombiana” y que esta es totalmente inconexa y sin ningun tipo de relacion con la “Gaita Venezolana”, ambas tienen origenes, estructuras y cronologias diferentes. Muy importante que esta definicion corresponde a un instrumento y no a un genero musical.
La gaita del laboreo colombiana o kuisi es un instrumento musical aerófono de la Costa Caribe colombiana de origen indígena,12 utilizado en diferentes ritmos musicales englobados en la denominación "música de gaita": gaita instrumental, porro, cumbia, merengue, puya, entre otros.3
Es una especie de flauta construida a partir del corazón del cardón, con una formación de cera de abejas y polvo de carbón en uno de sus extremos en donde se hace una ranura y se inserta un apéndice cilíndrico, generalmente la base de una pluma de pato, a manera de canal y boquilla, respectivamente, con entre 3 y 6 orificios en la parte baja del cuerpo.4
Se le llama gaita por la similitud de su sonido con el de las gaitas de pico de España.
Es expresión cultural importante de la región Caribe de Colombia y forma parte de las tradiciones y festividades de la zona, como el Carnaval de Barranquilla y la Fiesta de la Candelaria en la Isla de Providencia. Valga esta aclaratoria para evitar confusion por la cercania folklorica y geografica entre Colombia y Venezuela.
Armando Molero
Nació el 22 de noviembre de 1900, no se sabe exactamente donde pero se especula que podría ser en Los Puertos de Altagracia, El Moján, Isla de Toas o Quisiro. Lo que si se sabe con certeza es que desde niño se sintió atraído por la música. Tocaba la guitarra de forma autodidacta con un estilo muy personal y digno de estudios académicos.
Desde 1914 daba serenatas entonando décimas, danzas, contradanzas, valses y bambucos. Su versatilidad interpretativa lo llevó a participar como cantante en la radio zuliana a finales de los años veinte, llegando a ser uno de los primeros cantantes de la emisora: “La Voz del Lago”.
En la década de los treinta viaja a la capital y trabaja cantando en la Broadcasting Caracas y la
Radiodifusora Venezuela, dando a conocer piezas como: “La Suegra”, “Una flor” y “Las
Charreteras de mi capitán” y ganándose el reconocimiento del público nacional.
De vuelta la Zulia, labora como cantor diversas emisoras de radio como Ondas del Lago y Radio Catatumbo.
El Tuqueque de la guitarra, como le apodaban, se casó con Doña Josefina del Rosario Leal, oriunda del Barrio “El Empredao”, a quien conoció en las noches serenateras donde creció como artista.
Los mediodías zulianos eran su escenario radial. Las amas de casa sabían que era hora del almuerzo, cuando a las 12 en punto, la radio transmitía en vivo al cantor de la zulianidad: Don Armando Molero.
En su voz se recuerdan temas como: “El cocotero”, “La suegra”, “Maracaibo Florido”, “El
Moñongo”, “Los pescados”, “Con el sombrero”, “El beodo”, “Al son de mi ira”, “Josefina”, “El
Lázaro”, “El limonero”, “Una tarde”, “Hoy día de tu cumpleaños”, entre otras.
En mayo de 1965, su labor es reconocida por el Círculo de Cronistas de la Radio y la Televisión, en virtud a su contribución a la promoción y difusión de la música zuliana. Armando Molero, “El Cantor de la zulianidad” o “El Cantor de todos los tiempos”, murió el 5 de febrero de 1971. GÉNEROS QUE EJECUTÓ: Décimas, danzas, contradanzas, valses y bambucos
Jesús Ángel Reyes es un famoso músico zuliano trovador popular, vivió su carrera musical exaltando el paisaje con íntima sinceridad y cantando en sus creaciones a la naturaleza zuliana y a la noche engalanada con relámpagos de Catatumbo.. Tambien mencionado como “Reyito (Maracaibo, Venezuela 19??-1966), se trata de una denominación de sus admiradores de la época; Músico, compositor, guitarrista y poeta. Creador de obras musicales como “Maracaibo en la Noche” Hugo. 1993: Introducción al CD. "Venezuela. Un Clásico Inmortal". Anes Record. Caracas – Venezuela.
Compositor, poeta, cantante y guitarrista, fue uno de los primeros zulianos que canto ante un micrófono radial, durante la primera mitad del siglo veinte. Como auténtico marabino, sintió una gran identificación con la gaita zuliana, a la cual dio impulso a través de toda su vida, sirviendo como ejemplo e inspiración para que muchos de los famosos grupos gaiteros de la década de los sesenta surgieran a la popularidad. Fue el precursor en la industria de las grabaciones discográficas navideñas. Perteneció a diferentes asociaciones de músicos en el estado, siendo particularmente miembro destacado de la Asociación de Músicos y Artistas del Estado Zulia.
Como compositor desarrolló ampliamente los géneros de la danza y la gaita. Su más famosa danza fue inspirada en su terruño, “Maracaibo en la noche”, que junto a otras obras como “La Guitarra de mi Lago” y “Carcajadas”, “Reyito”, escriben los zulianos que lo recuerdan con gran aprecio “el hombre que escribió nuestra música con inmensa devoción, cantor de nuestra tierra, que ya es parte del patrimonio musical venezolano". El tenor Mario Suárez, adoptó, para incluirla en su denso repertorio la danza "Maracaibo en la noche". también existe
Rafael Rincón Gonzalez
Nació el 30 septiembre de 1922 en el populoso barrio marabino de “El Saladillo”. Hijo del reconocido pintor zuliano Neptalí Rincón, desde niño siente vocación por la música. Se gradúa de maestro normalista. No obstante, parte de su labor educativa la inclina por la enseñanza de la música.
Fundó su propia agrupación “Los Hermanitos Rincón”, en la que su hermano Guillermo era el pianista. Se presentaron a finales de la década de los años 30 del siglo pasado, en el Teatro Baralt. Posteriormente se integró al Trío Los Melódicos con el maestro de guitarra Ciro Adarme y la cantante Adelina Valbuena
Trabajó como maestro de música en diferentes escuelas en donde formó estudiantinas y coros.
En 1962 fundó y dirigió las agrupaciones gaiteras “Los Tremendos de Ojeda” y “Los Compadres del Éxito”. Dos años más tarde
fundó las corales: Coral Mene Grande, Coral del Liceo Raúl Cuenca, Coral Shell y Coral de la Asociación de Bienestar y Cultura.
Fundó “El Grupo” con el maestro Ciro Adarme, Max Alliey y Nora Romero, su esposa. Con ellos consolida la proyección de todo su repertorio. Dos guitarras, una mandolina y dos voces: la de él y su cónyuge.
Rafael Rincón González se dedicó también a componer. Escribió más de 600 temas, esencialmente: valses, danzas, contradanzas, bambucos y gaitas. Entre los más conocidos se cuentan: “Maracaibo florido”, “Besos inocentes”, “El platanero”, “No te puedo Olvidar”, “Danza Zuliana”, “Lamento Goajiro”, “Maracaibera”, “Pregones Zulianos”, “Soberana”, “Mi gaitón”, “Lago de Maracaibo”.
Sus canciones han sido entonadas por: Tino Rodríguez, Ensamble “Gurrufío”, Lila Morillo, Jesús Reyes “Reyito”, Gualberto Ibarreto, Simón Díaz, Jesús Sevillano, La Rondalla Venezolana, Armando Molero y Orquesta Sinfónica de Maracaibo entre otros. La obra: “Pregones Zulianos” también fue grabada por la Orquesta Filarmónica de Londres y forma parte de la Suite Zuliana arreglada por el famoso músico Frank Barber.
Su amplia labor educativa, formativa, compositora e interpretativa ha sido reconocida a través de las Órdenes San Sebastián y Diego de Losada (1997). Sus obras son Patrimonio Musical del estado Zulia por decreto, desde el 23 de agosto de 1993
GÉNERO(S) QUE EJECUTA: Valses, danzas, contradanzas, bambucos y gaitas
Adolfo Enrique de Pool Rodenas
Desde temprana edad buscó inspiración en la música religiosa. Es así como por aquella época, Adolfo compuso muchos aguinaldos dedicados al Niño Jesús, piezas musicales para la Liturgia, Himnos, cánticos y hasta gaitas comerciales para la radio. Sentía gran devoción por la Virgen de la Chiquinquirá y es por eso que concursa con su "Gloria a ti", para que dicha pieza fuera entonada para siempre como el emblema musical de La Chinita.
Muchas personas en Maracaibo aún se acuerdan de sus gaitas, hechas con mucho sabor y tradición zuliana. "Volvamos a Parrandear", Gaita Venezuela y "En el Portal de Belén", solo son algunas de tantas que se oyeron en aquellos días, donde la gaita clamaba por resurgir, luego del oscurantismo militar.
Para Adolfo, la música fue su principal actividad. Para el mantenimiento del hogar que fundó, ejerció el oficio de afinador y constructor de pianos y pianolas, así como el de perforador de rollos para Pianola, instrumento que tenía demanda en aquella época.
Fue profesor de música en Institutos educacionales privados y gubernamentales. Fungió de coreógrafo en diversos grupos que formó para bailar la Contradanza y las Mazurcas, tan populares a principios del siglo XX. Fue un pionero en la divulgación de la gaita zuliana, género de raíz, netamente popular. Compuso muchas melodías promocionales que el pueblo escuchaba en las emisoras radiales y bailaba profusamente.
Compositor prolijo de piezas musicales del flocklore venezolano, fue premiado por
muchas de sus creaciones como por ejemplo la "Marcha Zulia", "Las Palmeras", una danza zuliana de tres partes, "Carmencita", "La Fiesta de las niñas" y otras.
Llega para Adolfo el momento más trascendental de su vida de músico y de católico militante: Concursar para que una pieza suya fuera el Himno de la Coronación de Nuestra Señora de la Chiquinquirá.
Un jurado brillante, compuesto por los maestros Juan Bautista Plaza, Fray Vicente Olivar y Pedro Elías Gutiérrez deberá examinar y determinar sobre los concursantes, quienes tenían las credenciales requeridas. Adolfo de Pool, con el seudónimo "Saladillo", obtiene el fallo favorable. Para el afortunado hombre de íntegra piedad cristiana, es un premio otorgado por el Creador y en mediación de su Madre: La Virgen.
Adolfo de Pool es Terciario de la orden de San Francisco de Asís. Las enseñanzas y ejemplos de este Santo, son parte del paradigma vital del músico y compositor. Junto a los miembros de la congregación de los Caballeros de San Ignacio de Loyola, hacía Misión de alfabetización en las comunidades indígenas de Santa Rosa y otras aledañas a la zona; llevando comestibles, medicinas y vestidos.
En Caracas se interesa por la educación profesional de los ciegos. Hace contacto con el Instituto Nacional de Ciegos y dicta clases Ad honorum de música y afinación de pianos, usando el método braile.
Sus piezas más conocidas son Danzas: María Cecilia y Vaivén, las cuales han sido interpretadas y grabadas por artistas de la talla de Jesús Sevillano, Saúl Vera, El Cuarteto, Gurrufío y otros. Sin embargo su versatilidad como autor, lo llevó a componer música de variados géneros: Sacra, Valses, Merengues, Serenatas, Pasodobles, Aguinaldos, Barcarolas, Contradanzas, etc.
Actualmente sus restos son reclamados por la Gobernación del Estado Zulia para ser inhumados en el Panteón de los Ilustres de la Ciudad de Maracaibo y así repose junto a la autora de la Letra del Himno de la Chiquinquirá, Graciela Rincón Calcaño.
1911, nace en Maracaibo, Zulia, una gloria de la gaita zuliana, Jesús Antonio Lozano Ortega, conocido en el movimiento artístico como "El Gaitero Mayor".
Albañil de oficio, furrero, solista, compositor y fundador del conjunto Bella Vista en 1925, el cual existió durante más de 40 años. Luego, pasa a ser intérprete del conjunto Santa Ana, del sector Veritas de Maracaibo, y de la reconocida agrupación Estrellas del Zulia. Este histórico personaje de nuestra gaita zuliana fue el primer difusor de la popular gaita La cabra mocha, de la autoría de Pradelio Hernández.
Jesús Lozano compuso éxitos gaiteros como: Felices Pascuas, La movidita, Gómez II, La machaca, entre otros.
En su honor, en 1984, se creó el Premio Especial Jesús Lozano en el Festival Una Gaita para el Zulia, de Industrias Pampero, y ese mismo año, Radio Caracas Televisión inició una colecta para dotar a este querido músico gaitero de un apartamento en el Complejo Puerto Azul.
Tuvo la oportunidad de viajar a México con Estrellas del Zulia, donde fue presentado en el programa Siempre en Domingo por el famoso locutor azteca Raúl Velazco.
Entre las distinciones que recibió en vida se encuentran: El Meridiano de Oro y Mara de Oro.
Jesús Antonio Lozano Ortega falleció en su tierra natal el 11 de octubre de 1985, y su muerte se convirtió en una manifestación popular de mucho pesar.
Compases de la Gaita Venezolana
Seis por Ocho o Ternario de la “Gaita de Furro”
La Gaita Venezolana (Gaita de Furro) en su ritmica ternaria es empleando el compás musical 6/8 es un tipo de medida de tiempo que se utiliza en la música. Se caracteriza por tener seis pulsaciones por compás, en el que cada pulso se subdivide en tres tiempos iguales. Esto significa que la duración de cada pulso es equivalente a la duración de tres semicorcheas. El acento principal en el 6/8 se ubica en el primer tiempo, lo que le da un carácter fuerte y marcado al ritmo. El 6/8 es comúnmente utilizado en géneros musicales como el valse, joropo, blues, el jazz, el flamenco y la música folklórica de varios países. Debido a su estructura rítmica compleja, el 6/8 se considera un compás desafiante para algunos músicos, pero también puede ser muy expresivo y emocional cuando se toca con habilidad y sensibilidad.
Cuatro por Cuatro o Binario de la “Gaita de Tambora”
Por otro lado a Gaita Venezolana (Gaita Tambora) en su ritmica binaria es empleando el compás musical 4/4 que es más común y utilizado en la música. Se caracteriza por tener cuatro pulsaciones
por compás, y cada una de estas pulsaciones se divide en dos tiempos iguales. Esto significa que cada compás tiene una duración total de cuatro tiempos, y cada tiempo tiene una duración equivalente a la duración de dos semicorcheas. El acento principal en el 4/4 se ubica en el primer tiempo, lo que le da un carácter fuerte y marcado al ritmo. El 4/4 se utiliza en una amplia variedad de géneros musicales, como la salsa, el rock, el pop, el hip hop, el country, el folk y muchos otros. Debido a su estructura rítmica regular y fácil de seguir, el 4/4 se considera un compás accesible para la mayoría de los músicos y es un elemento fundamental de la música popular en todo el mundo.
Estructura originaria y mas comun de los instrumentos
La tambora: es un tambor grande de un solo parches que se toca con par de baquetas. Produce dos timbres: cuero y maderaEs el instrumento de percusión principal que se utiliza en la gaita zuliana.
El furruco: es un instrumento de percusión similar a un tambor pero que se toca con una varilla de verada o junco. Produce un sonido grave y rítmico que complementa la percusión de la tambora.
Las maracas: son instrumentos de percusión que se utilizan para marcar el ritmo. Se hacen de calabaza seca y se llenan con semillas o piedras pequeñas.
El cuatro: es un instrumento de 4 cuerdas similar a una guitarra, pero más pequeño. Se utilizapara acompañar la melodía y agregar armonía a la gaita zuliana.
La charrasca: es un instrumento de percusión hecho de metal. Se raspa con una varilla para producir un sonido rítmico y agudo que complementa la percusión de la tambora.
onga/Bongós: son un par de tambores pequeños, uno más grande que el otro, que se tocan con las manos. Los bongós se utilizan para crear patrones rítmicos complejos.
Timbales/Bateria: son un par de tambores cilíndricos con parches de piel en ambos extremos que se tocan con baquetas. Los timbales se utilizan a menudo en la música latina para aportar un sonido agudo y metálico al ritmo.
Campana/Cencerro: es un instrumento de percusión de metal que se toca con una baqueta. La campana se utiliza a menudo en la música latina para agregar un sonido metálico y rítmico al ritmo.
Estos son algunos de los instrumentos más comunes que se utilizan en la gaita venezoloana. Sin embargo, dependiendo de la agrupación o el estilo de gaita, pueden agregarse otros instrumentos, armonicos y melodicos como la guitarra, el bajo, el piano y otros instrumentos de viento tales como saxo, trompeta, trombon flauta y clarinete, tambienson utilizados para orquestacion instrunmtos de cuerda como violin, viola y chelo. Mas adelante en el capitulo sobre evolucion y tendencias detallaremos a fondo la instrumentacion y estructura. Por lo proto sabemos que la gaita folklorica/tradicional respetan la instrumentacion conservadora, mientras la gaita comercial y de vanguardia incluyen (metales, teclados y sintes, percusion afro-caribe) y tambien excluyen (eventualmente furro, cuatro y hasta charrasca) instrumentos.
El Origen de la gaita Zuliana - Ramón Herrera Navarro
Existen otras versiones sobre el origen de la gaita, una de ellas es la del investigador Ramón Herrera Navarro,5 la cual recopiló por el relato del gaitero Alfonso Huerta Bracho en 1982 quien la había tomado de un cuaderno que encontró en un baúl perteneciente a uno de sus antepasados.
Según lo indicado en ese cuaderno, la gaita nació un 4 de diciembre de 1782 en el cantón de Gibraltar del estado Zulia. La inspiración del canto que le dio origen a la misma surgió después de que el amo de la finca Santa María le dio un golpe en la espalda a un negro esclavo, llamado Simón Chourio, por no atender rápidamente una orden suya. Otro esclavo, de apellido Chourio, al caer de rodillas al suelo, dijo llorando: «Ya esto no puede ser/ como nos tratan los amos». Su hermana, María Dolores Chourio que se encontraba detrás de él, y quien también era esclava, al oírle ese lamento le dijo suavemente al oído: «Y si se lo reclamamos/ nos hacen más padecer». Al oír esto, ambos repitieron al unísono la primera parte del verso: «Ya esto no puede ser». Así se compuso el canto de reclamo y de protesta contra los amos por el mal trato que recibían. Un representante del grupo de esclavos, de nombre Francisco, quien sabía leer y escribir, sugirió que se pidiera permiso a los amos para difundir el canto, y estos últimos les concedieron el permiso, siempre y cuando lo hicieran antes de su fiesta, que era el 24 de diciembre. La idea de los esclavos era hacer una fiesta parecida a la que hacen los españoles, imitando los cantos de aguinaldos y villancicos, con motivo de la celebración de las navidades y, en vista del permiso concedido, resolvieron entonar el canto que habían compuesto, el 12 de diciembre de 1782. Se menciona que los españoles, viendo que ya no podían seguir soportando más todo lo que le estaban diciendo en el canto, hicieron azotar a los músicos y cantantes. Una esclava, de nombre Candelaria recibió tantos golpes que falleció al otro día. Al resto de los esclavos, después de azotarlos, les hicieron poner un cepo y en los pies les pusieron cadenas.
El Origen de la gaita Zuliana - Rafael Molina Vilchez
“La gaita zuliana, como muchas otras manifestaciones del costumbrismo latinoamericano, es mestiza. Tiene un mosaico genético poliétnico, pero su raíz es hispana, aunque la hispanidad se conserve en progresiones muy diferentes a la gaita maracaibera (llamada también gaita de furro), canto de criollo citadinos, en quienes sobrevive con fuerza, en comparación con la gaita de tambora y la perijanera, en las cuales la negritud deja una marca más intensa”.
Este estudioso del folklore señala que la gaita es española, pero que con el tiempo surgieron dos tendencias divergentes: La gaita maracaibera y las gaitas negras. Esta opinión ha generado polémicas, sin embargo es bastante compartida, ya que el término “gaita” es de raíz galaico-portuguesa: viene del gótico “gaits” que significa “cabra”, porque el fuelle de la gaita gallega se hace con el cuero del caprino. De España a través de los Países árabes africanos llegó hasta Turquía, en cuya lengua se traduce como “flauta del pastor”, lo que estaría de acuerdo con el dibujo que encontró Agustín Pérez Piñango con la gaita Glorioso San Sebastián, que data de 1668, según documento localizado en el antiguo Colegio Nacional de Maracaibo, que trae la letra y la música en caracteres gregorianos. Sería la gaita más antigua que se conoce. Sin embargo, otros estudiosos, entre ellos Juan de Dios Martínez sostiene que la gaita se inició con los esclavos negros en las haciendas del Sur del Lago, como protesta y evocando sus fiestas de las zonas africanas de donde provenían.
Aspectos Tradicionales
Hay hechos muy pintorescos que certifican el carácter tradicional de la gaita zuliana. Lo certifica Don Antonio Acevedo en su ensayo sobre “¿Cuándo y dónde nació la gaita zuliana?” de la revista Onda Gaitera No.2- 1995: “...
La Bandera en la Ventana
Al organizar la cuerda o grupo gaitero se elegía a una de las personas más estimadas del lugar, para dedicarle la gaita. El primer paso era colocar una bandera blanca en la ventana de la residencia seleccionada, la noche anterior al día elegido para formar la parranda. Esto se hacía con la finalidad de avisar al dueño de la casa para que alistara lo necesario en estos casos. Si el agasajado optaba por dejar la bandera puesta, era señal de que estaba dispuesto a recibir a los gaiteros; quienes llegada la noche, no se hacían esperar e irrumpían llenos de alborozo a la puerta de la residencia escogida; allí mismo cantaban las primeras coplas, que eran como una introducción a la parranda que se avecinaba.
Verso de contra danza “Aniceto Rondon”
En la ventana ponian
Bandera al que le tocaba
Hasta amanecer el dia.
El Pañuelo
También cuentan, quienes tuvieron la oportunidad de vivir esa época, que las gaitas se organizaban en las casas de familia o locales comerciales con la participación de todos los asistentes, hombres y mujeres; un pañuelo era la señal que al ser entregado a alguno de los presentes, le indicaba su turno para decir un verso, la mayoría de las veces improvisado, refiriéndose al dueño de la casa, o de la firma comercial, o el tema al cual se dedicaba el estribillo.
Tradicion y Costumbre
Se puede decir que en el incipiente incicio de esta costumbre y posterior tradicion se celebraba en casas familiarmente,, eran reuniones de vecinos y conocidos donde se estaba estrenando una novedad, una nueva moda en esos tiempos, y esto se puede considerar folklore, debido a que inicio como expresion popular y se propago para ese entonces. Los temas interpretados tenian un estribillo y los versos se improvisaban, asi como en la tradicion del galeron margariteno o el contrapunteo llanero. Se iban rotando los solistas que improvisaban mediante el “pase” del panuelo. En si estas reuniones no estaba previsto nombre de grupo gaitero, mas bien se denominaban “Cuerda Gaitera” y se hacia referencia al nombre de la persona duena de la casa o quien liderizaba esa “cuerda”. Posteriormente estas agrupaciones se establecieron a fin de interpretar temas en la celebracion de la “Virgen de Chiquinquira” o en la promocion de comercios en la localidad zuliana.
Primeras producciones fonográficas y su difusión a la capital
A comienzos de la década de 1960, existían tan solo unas pocas agrupaciones gaiteras que incursionaron en la grabación de discos de larga duración y sencillos en formato 45 RPM. Entre ellas destacaban Cardenales del Éxito, Rincón Morales y El Conjunto Saladillo, consideradas pioneras en trascender las fronteras del estado Zulia. También surgieron otras agrupaciones como Guaco y Oro Negro, que comenzaron a grabar y presentarse en vivo, marcando una expansión importante del género.
Hacia finales de esa misma década, el reconocido productor Hugo Blanco se dedicó a realizar colecciones anuales de gaitas, muchas de ellas con enfoque humorístico. Trabajó inicialmente con Simón Díaz y posteriormente con Joselo Díaz, con quienes produjo discos icónicos como Gaita de las Locas y Gaitas de los Comerciales, así como otras parodias de contenido político y farandulero que ampliaron el alcance del género.
Asi era como la gaita comenzaba a dejar de ser exclusiva del Zulia, comenzó a consolidarse como tradición nacional. En el resto del país, era común adquirir cada temporada navideña los discos de Cardenales del Éxito, Rincón Morales o Hugo Blanco. Las radiodifusoras reservaban la difusión de gaitas para la temporada decembrina, generalmente desde octubre o noviembre hasta el Día de Reyes. Fue en este contexto que la gaita se convirtió en un componente esencial del imaginario navideño venezolano.
Este período puede definirse como el inicio de la etapa comercial de la gaita, caracterizada por su orientación hacia el espectáculo, la contratación de presentaciones en todo el territorio nacional y la grabación de discos de larga duración. Esta transformación introdujo fines comerciales que la alejaron, en parte, de su raíz tradicional y popular.
Algunos hitos destacados de esta etapa incluyen:
Cardenales del Éxito lanzó su primer disco en 1965, titulado Cardenales del Éxito Volumen 1. Entre sus temas más recordados figuran Amparito, El Mercado de los Buchones y Negrita Marisol.
Rincón Morales, fundada entre 1957 y 1958, grabó su primer disco de larga duración en 1963, titulado Gaiteros de la Nueva Ola. Este álbum incluía temas como Cantares de la Nueva Ola, El Puente Sobre El Lago y El Tartamudo, este último compuesto por Francisco Morales.
El Conjunto Saladillo, fundado el 16 de noviembre de 1962 en el barrio El Saladillo de Maracaibo, grabó en 1963 el álbum Los Gaiteros del Pueblo. Su tema más emblemático, Gaita Zuliana (también conocida como La Campeona), fue galardonado en cinco concursos en 1962, incluido el Festival de Gaitas Zulianas de Industrias Pampero.
Estas primeras producciones despertaron el interés por un género hasta entonces desconocido fuera del Zulia. Radiodifusoras como Cadena Rumbos y Cadena Continente jugaron un papel clave en su difusión, al igual que las televisoras nacionales como Venevisión, RCTV y TVN5.
Un factor adicional en esta difusión fue el papel de las Fuerzas Armadas Nacionales. Cada componente (Marina, Aviación, Ejército y Guardia Nacional) estableció su propio grupo gaitero, pues muchos de sus integrantes provenían del Zulia y ya contaban con habilidades musicales. Además, era común que estos conjuntos se presentaran acompañados de cuerpos coreográficos integrados por grupos de jóvenes, lo que contribuyó a la idea popular de que la gaita "se bailaba", aunque esto se tratara de una expresión escénica más que tradicional.
En resumen, esta etapa marcó la irrupción de la gaita en el escenario nacional, gracias a la fonografía, la radio, la televisión y los espectáculos en vivo. Con ello, la gaita zuliana se consolidó como una expresión musical que no solo llegó para quedarse, sino que comenzó un proceso de transformación y adaptación que se profundizaría aún más en la siguiente década. Aqui se decantan la gaita folklorica o tradicional de la popular y comercial.
Decada vinculante de los 70s
Decimos que la decada de 1970 fue vinculate porque cuyunturalmente los liceos, colegios, empresas (SIDOR, Reynolds, CANTV entre muchas otras) institucionalmente incorporaron su propio grupo de gaitas para sus eventos de relaciones publicas y celebraciones, inclusive algunos realizaron producciones fonograficas como SIDOR (Gaiteros de Sidor Vol desde el I al VIII).
Recapitulando: si en los años 60 Cardenales del Éxito, Rincón Morales, El Saladillo y Hugo Blanco fueron los precursores en grabaciones fonográficas y en la difusión por radio y televisión, en la siguiente década se incorporaron otras agrupaciones gaiteras como Estrellas del Zulia, Guaco, Gran Coquivacoa, Gaiteros de Pillopo, Los Zagales y la Universidad de la Gaita, entre otros.
Así, podemos observar cómo en la década de 1970 la gaita fue ganando mayor participación en la producción discográfica y en los medios de comunicación masivos. En consecuencia, la gaita zuliana —hasta entonces tradicional y popular— comenzó a adquirir una nueva clasificación: la de gaita comercial.
La Gaita Comercial
Con la participación de productores musicales provenientes de géneros como la salsa, la guaracha, la música llanera, las baladas pop, entre otros, las producciones gaiteras de la década de 1970–1979 comenzaron a adaptarse a las exigencias del mercado discográfico y de estos nuevos enfoques de producción.
En este apartado veremos cómo muchos grupos de gaitas incorporaron instrumentos internacionales o "universales", como el bajo electrico, la tumbadora, la guitarra eléctrica, los teclados, el saxofón, la flauta, entre muchos otros. Aunque sin llegar necesariamente a una exploración vanguardista del género, estas adaptaciones modernizaron el sonido tradicional.
Por otro lado, también se modificaron las estructuras formales de las canciones. Se empezaron a incluir introducciones elaboradas, codas finales, solos instrumentales y puentes musicales, así como el uso de montunos y pregones, elementos tomados de otros géneros caribeños. Estas transformaciones marcaron el inicio de una gaita con características comerciales y más cercana a la industria musical contemporánea.
Comencemos por tratar la incorporacion del bajo acustico y/o bajo electrico:
Bajo Electrico de la Gaita tradicional a la Gaita Comercial
Contaba Humberto Rodríguez:
“Recuerdo cuando Ricardo Aguirre se encontraba con Nerio Franco y le decía: ‘Hermano… lo que pasa es que el Saladillo lo oigo muy flaco…’
‘¿Qué estáis haciendo con mis Cardenales, modernizándolos de esa manera?’
Y Nerio le respondía: ‘Métele un bajo pa’ que se oiga gordo…’
También le sugirió: ‘Ve, el mellizo (el morocho Rangel), que toca con el Trío Hambay, acaba de comprar un baby bass… ¿por qué no habláis con él pa’ ver si quiere meterle el bajo por lo menos a una?’”
Así fue como se le incorporó, por sugerencia y necesidad estética, el bajo (específicamente un baby bass) a "La Grey Zuliana", posiblemente una de las gaitas más influyentes y difundidas en la historia del género. Esta decisión marcó un antes y un después en el sonido tradicional, que desde entonces comenzó a experimentar con texturas más ricas y contemporáneas, sin perder su esencia.
NERIO FRANCO
Compositor, arreglista, cuatrista, pianista
Conjuntos: Cardenales del Exito / Guaco / Estrellas
Nace 10 de febrero de 1947 llegó al mundo Nerio Antonio Franco Rojas. Estudió música en el Conservatorio “José Luis Paz”, así como con los maestros Serafín Primera, Héctor “Pelón” Valbuena y Juan Belmonte, de la Orquesta Juvenil del Estado.
Sus primeros pasos en la gaita fueron en 1964, con la agrupación Flor de Mara, del sector “18 de octubre” de Maracaibo. Un año después ingresaría al conjunto San Isidro, y ese mismo año pasa a sustituir en Cardenales del Éxito al cuatrista Renato Aguirre. En este período, y contando con sólo diecisiete años, impuso el estilo de cuatro punteado que definiría el sonido de Cardenales del Éxito.
Tras tres años en Cardenales del Éxito, alternaría una temporada con Sonora Juventud y otra con el sexteto Los Blanco, antes de ingresar en 1969 al conjunto Guaco. En Guaco permaneció hasta 1976, cuando regresa como pianista a Cardenales del Éxito, para la temporada 1977-1978. A partir de 1979, y a razón de un año de permanencia en cada agrupación, formó parte de Estrellas del Zulia, Universidad de la gaita y La Banda Gaitera, fallece el 11 de mayo de 2015.
Más adelante detallaremos la contribución de este maestro a la gaita comercial, resaltando su creatividad y originalidad en la integracion del bajo, el piano y el cuatro en la gaita de los setenta, así como el enriquecimiento melódico y armónico derivado de su admiracion y seguimiento a Aldemaro Romero y su movimiento de la Onda Nueva.
Armonia en la Musica Venezolana
Entendemos que en sus origenes de la gaita adquirio su armonia y melodia de sus generos antecesores con los que cohabito en sus inicios: Valses, Merengue o Guasa, Calypso, Lannera entre otras. Todas estas vertientes las podemos analizar desde la simpleza en el siglo XIX y su evolucion y enriquecimiento melodico ritmico y armonico en el siglo XX.
Retretas o Bandas Marciales
La música en las retretas de plaza del siglo XIX
Estas bandas interpretaron inicialmente partituras y repertorios de procedencia internacional, principalmente marchas, valses y pasodobles. A partir de allí se fue estableciendo una instrumentación básica que permitía interpretar melodías, desarrollar armonías sencillas y acompañamientos de percusión rudimentarios.
En las retretas de plaza del siglo XIX —especialmente en Hispanoamérica y Venezuela— se ejecutaba un repertorio musical variado, fuertemente influenciado por la tradición europea, aunque con adaptaciones locales. Estas presentaciones eran ofrecidas por bandas militares o civiles municipales, generalmente los domingos o en días festivos, en plazas públicas. Su propósito era tanto entretenimiento popular como formación musical ciudadana.
Ejemplos de música interpretada en las retretas del siglo XIX:
Marchas militares y patrióticas
Marcha Triunfal
Marcha a Bolívar
Himno Nacional
Marcha Radetzky – Johann Strauss padre
Valses europeos y criollos
El Danubio Azul – Johann Strauss II
Sobre las Olas – Juventino Rosas (muy difundido en América Latina)
Composiciones locales influenciadas por el estilo vienés)
Polcas y mazurcas
Polca La Alegre
Mazurca Venezolana
Danzas y contradanzas
Contradanzas inspiradas en salones franceses y caribeños
Danzas nacionales de autores como Heraclio Fernández
Pasodobles
España cañí (aunque posterior, se interpretaban formas tempranas del género)
Pasodoble El Turuta
Obras sacras y procesionales (en contextos religiosos)
Ave María (versiones instrumentales)
Marchas fúnebres interpretadas en Semana Santa o procesiones patronales
Marcha Nupcial
Esto demuestra que lo mas completo en estructura y formato musical en Venezuela siglo XIX fue la Banda Marcial, por ello podemos apreciar que por ejemplo Alma Llanera que forma parte de una Opereta de Pedro Elias Gutierrez, tiene un alto grado marcial.
Pasemos ahora a habla que quienes y como se encamino la musica producida en venezuela a finales del siglo XIX y principios de siglo XX a un nivel mucho mas dotado de acordes y cadencia, con unas lineas melodicas mas complejas que incluian modulaciones (cambios tonales) y en la parte ritmica la sincopa y contratiempos.
Vicente Sojo
Se le atribuye la creación de la escuela moderna de música en Venezuela. En 1896 inició sus estudios de música bajo la tutela de los profesores Régulo Rico y Henrique Leon. En 1906 se muda a Caracas. Funda el Orfeón Lamas, compiló y armonizó más de 200 canciones populares y del folklore, logrando un rescate significativo de las tradiciones musicales del país. Entre sus obras más importantes podemos mencionar: Misa cromática (1922-1933) y Hodie super nos fulgebit lux (1935). En 1951 recibió el Premio Nacional de Música de Venezuela en reconocimiento a toda su obra. Muere en Caracas el 11 de agosto de 1974 y sus restos reposan en una cripta debajo del Templo Parroquial de la ciudad de Guatire.
Lionel Belasco (1882–1967)
Músico de proyección universal que se destacó por sacar el calipso de su contexto insular caribeño y llevarlo a escenarios internacionales desde Estados Unidos. Dos de sus composiciones más célebres fueron Panamá Paseo, en homenaje a los obreros antillanos que construyeron el Canal de Panamá, y Rum and Coca-Cola, pieza que se convirtió en un fenómeno musical en EE. UU. tras el fin de la Ley Seca.
Aunque fue principalmente un compositor de calipsos (con más de cien piezas en ese género), también escribió numerosos valses venezolanos, muchos de ellos creados en Maracaibo, como Juliana, Miraflores, San José y Luna de Maracaibo. Compuso además valses con títulos en inglés que fueron conocidos en Londres y Nueva York, como Roses of Caracas Waltz y The Palms of Maracaibo, todos con un inconfundible estilo venezolano.
La nacionalidad de Belasco ha sido motivo de debate. Su hijo afirmaba que nació en Hastings, Barbados, hijo de un músico judío sefardí y una madre trinitaria. Vivió parte de su vida en Trinidad y luego en Maracaibo, donde se relacionó con su familia paterna y desarrolló buena parte de su obra, lo que llevó a muchos a considerarlo un músico zuliano.
Falleció en Nueva York en 1967. Fue ampliamente admirado por músicos como Aldemaro Romero, quien lo consideró una gran influencia en su estilo armónico. Su legado sigue vivo en interpretaciones de la Orquesta Típica Nacional y grupos como Los Virtuosos. Su huella en la música venezolana —especialmente zuliana— es profunda, y se reconoce su obra como parte del patrimonio cultural del país, a pesar de la incertidumbre sobre su nacionalidad formal.
De la Pianola y Retreta a los Trios y Cuartetos
Fue Lionel Belasco quien, con su constante ir y venir entre Maracaibo y las Antillas del Caribe, y sus visitas a Nueva Orleans, Luisiana (cuna del blues), comenzó a desarrollar un formato musical distinto al de las bandas marciales tradicionales. Su propuesta inicial incorporaba piano, clarinete y contrabajo, alejándose del sonido marcial y dando paso a una estética más moderna y flexible.
Esta propuesta representó en Venezuela una verdadera primera ola de modernización musical. La innovación no se limitó al formato instrumental, sino que también alcanzó lo melódico y lo armónico, al integrar influencias provenientes de las Antillas y, especialmente, del blues estadounidense. Este enfoque novedoso impactó a muchos músicos venezolanos de la época, quienes comenzaron a actualizar y enriquecer sus propias propuestas musicales a partir de este nuevo lenguaje sonoro.
Músicos venezolanos relacionados con Lionel Belasco:
1. Heraclio Fernández
Aunque anterior a Belasco, ambos comparten la fusión entre el vals, la danza criolla y el gusto por las formas europeas adaptadas al entorno tropical.
La línea de continuidad entre El Diablo Suelto (Heraclio Fernández) y valses como Juliana o San José (de Belasco) es evidente: melodía alegre, estructura de salón, color criollo.
2. Vicente Emilio Sojo
A
unque desde una postura más académica, Sojo trabajó en la recuperación y estilización del vals venezolano. Aunque no fue un seguidor directo de Belasco, su labor ocurre dentro de un proceso en el que Belasco fue pionero: darle dignidad y forma artística a la música popular venezolana.
3. Luis Laguna
Compositor de valses y boleros, con un estilo muy melódico y expresivo, próximo a la estética de Belasco en cuanto a lirismo y ternura melódica.
Ambos compusieron piezas que hoy se consideran "joyas" del repertorio nacional de salón. uis Alfredo Laguna (pronunciado lah-gú-na) (1 de mayo de 1926 – 1 de agosto de 1984) fue un músico y compositor venezolano.
Nacido en la pequeña ciudad de Guacara, estado Carabobo, Laguna se trasladó a temprana edad con su familia a Maracay, estado Aragua, donde creció y comenzó su formación. Aunque en gran medida fue autodidacta, se destacó como un talentoso guitarrista y prolífico compositor, desarrollando un estilo distintivo mediante el uso de armonías y ritmos contemporáneos, así como de melodías bellamente elaboradas en sus obras.
Fue autor de significativos valses venezolanos y joropos, y mostró una fuerte predilección por el merengue caraqueño. Algunas de sus canciones más populares incluyen: Al poeta, Criollísima, Golosinas criollas, El saltarín, El tramao, Mi merengue, Nathalia, Serenata, S.O.S. y Un heladero con clase, entre otras.
Laguna falleció en 1984, en su hogar en Maracay, a la edad de 58 años.
4. Aldemaro Romero
Relación directa: Fue uno de los principales divulgadores de los valses de Belasco en el siglo XX, incluyendo algunos en su célebre álbum Dinner in Caracas.
Influencia armónica: Aldemaro reconoció que Belasco fue una influencia fundamental en la riqueza armónica y melódica que luego aplicó a su Onda Nueva.
Estilo: Ambos compartieron un gusto por el jazz y por insertar colores modernos en formas tradicionales como el vals.
Madurez de Orquestas
Informacion necesaria para entender la gaita en su status actual debemos revisar la historia orquestal de venezuela, para aclarar si no la parte orquestal de la gaita, si la parte de las influencias del jazz y la musica caribena/tropical ingredientes que forman parte hoy dia de su receta.
Nacen entonces en venezuela, las orquesta llamadas "de salon" o "bailables" cuyos precursores fueron:
Eduardo Serrano, Alfonso Larraín y Aldemaro Romero
Estos tres músicos fueron claves en ese proceso. Aunque con estilos distintos, los tres compartieron un impulso común: modernizar la música venezolana sin renunciar a su esencia. Lo lograron gracias a la asimilación de influencias nacionales e internacionales que marcaron sus trayectorias artísticas.
Eduardo Serrano: la música académica al servicio de lo popular
Formación e influencias: Serrano fue un músico con sólida formación académica, influenciado por la escuela de composición tradicional europea, particularmente en el uso de la armonía y la escritura para conjuntos instrumentales.
Influencia de la música venezolana tradicional: Sus obras están profundamente inspiradas en géneros nacionales como el joropo, el vals criollo, la danza, el merengue caraqueño y el aguinaldo.
Modelo: En cierto sentido, sigue el ejemplo de Vicente Emilio Sojo, pero con una intención más popular y funcional, al escribir música que podía ser interpretada por bandas municipales, orquestas típicas y emisoras de radio.
Alfonso Larraín: el swing estadounidense en clave criolla
Formación e influencias: Larraín fue un gran admirador de las big bands norteamericanas, especialmente las de Glenn Miller, Duke Ellington y Benny Goodman.
Influencia caribeña: También absorbió ritmos del Caribe como la guaracha, el bolero y el son cubano, adaptándolos al gusto de la audiencia venezolana.
Misión artística: Quiso llevar el formato de la orquesta de salón moderna al escenario venezolano. A través de arreglos dinámicos y elegantes, fusionó swing con música tradicional y bailable.
Innovación: Fue uno de los primeros en usar metales, saxos, batería y contrabajo en arreglos venezolanos modernos, precursor del sonido de la gaita comercial posterior.
Formación e influencias: Aldemaro fue un niño prodigio autodidacta que aprendió tanto en la calle como en los estudios. Estuvo profundamente influenciado por el jazz, la bossa nova, el impresionismo francés (Debussy, Ravel) y los compositores populares latinoamericanos como Belasco, Agustín Lara y Ernesto Lecuona.
Influencia de la tradición venezolana: Tomó el joropo y el vals venezolano como base, transformándolos con armonías extendidas, síncopas suaves y texturas refinadas.
Misión artística: Su mayor legado fue la creación de la Onda Nueva, un género que estiliza el joropo combinándolo con el lenguaje del jazz moderno y la bossa nova.
Puente internacional: Trabajó con músicos de fama mundial como Dean Martin, Tito Puente y Stan Kenton. Su visión era que la música venezolana sonara internacional sin dejar de ser venezolana.
Serrano, Larrain y Romero modernizaron la música venezolana desde diferentes frentes: Serrano desde la tradición, Larraín desde lo bailable y Aldemaro desde lo conceptual.
Edmundo Ros
Aunque, por haberse residenciado fuera del país, no influyó directamente en la evolución interna de la música venezolana, sus producciones aportaron notablemente al repertorio internacional, especialmente en valses y temas con aire venezolano, los cuales fueron incorporados por orquestas tipo "big band" que sonaban en Venezuela.
Era hijo de una maestra venezolana, Luisa Urquart, de ascendencia africana, y de William Hope-Ross, escocés, por lo que poseía doble nacionalidad: venezolana y británica. Tras la separación de sus padres siendo aún muy joven, se trasladó con su madre a Caracas en 1927, donde ingresó en la Escuela de Música y Declamación de la Academia de Bellas Artes, bajo la dirección del maestro Vicente Emilio Sojo.
Durante esa época —pleno gobierno del general Juan Vicente Gómez— despertó su vocación musical al integrarse a la Banda Marcial de Caracas, donde tocó el bombardino durante unos cuatro años. También fue timbalista en la recién fundada Orquesta Sinfónica de Venezuela, creada por el propio Sojo.
En junio de 1937, gracias a una beca del gobierno del general Eleazar López Contreras, viajó a Londres, Inglaterra, para estudiar música clásica y composición en la Real Academia de Música. A pesar de su formación académica, pronto retomó la interpretación de música popular, género donde alcanzaría mayor notoriedad.
Fue un músico, vocalista y director de orquesta reconocido internacionalmente por su fusión entre la música tradicional latinoamericana y los lenguajes musicales modernos. En el mundo anglosajón se le conocía con el sobrenombre de "King of Latin American Music" (Rey de la música latinoamericana). Falleció centenario, el 21 de octubre de 2011.
Transición Discográfica y Comercial
Ya habiendo analizado la evolución de la música venezolana desde su herencia hispánica hasta sus formas más orquestadas y estilizadas, al nivel de los estándares internacionales, nos corresponde ahora revisar los aportes y expresiones que Venezuela ofreció al mundo a mediados del siglo XX y cómo estos influyeron directamente en la gaita.
Durante ese período, géneros como la salsa, la guaracha, el bolero, la balada y el rock se producían en Venezuela con gran éxito. Mientras el mundo entero aclamaba a sus ídolos internacionales, desde Venezuela se competía activamente en el escenario internacional con orquestas bailables como Billo’s Caracas Boys, Los Melódicos, Dimensión Latina, Federico y su Combo Latino, Sexteto Juventud, así como con cantantes como Cherry Navarro, Alfredo Sadel, Los Impala y Las Cuatro Monedas. Todos ellos marcaron una época de expansión musical nacional con visión de exportación.
En ese mismo marco surge un nuevo estilo musical originalmente venezolano: la Onda Nueva, creada por Aldemaro Romero. Este género, resultado de la fusión entre el joropo, el jazz, la bossa nova y la armonía moderna, fue presentado a través de tres festivales internacionales (1971, 1972 y 1973), atrayendo a músicos de renombre como Burt Bacharach, Paul Mauriat y Tito Puente, quienes no solo participaron, sino que integraron elementos del estilo en sus propias obras.
Este impulso renovador también alcanzó a la gaita. En la medida en que la música venezolana evolucionaba armónicamente y en términos de producción, la gaita comenzó a incorporar influencias de la Onda Nueva, adaptando nuevas estructuras melódicas, armonías más sofisticadas y una rítmica más pulida. Esta transición demandó una actualización estética del género y una presentación sonora acorde con los estándares del mercado discográfico.
Las casas disqueras jugaron un rol determinante en este proceso, promoviendo el paso de la gaita tradicional a una gaita comercial, pensada para radio, televisión, ventas masivas y consumo navideño en todo el país y en la diáspora.
A continuación, presentaremos algunos de los álbumes de larga duración (LP) más representativos producidos en la década de 1970, cuya estética, instrumentación y enfoque discográfico dan cuenta del giro modernizador que experimentó la gaita en esa década.
Cardenales Del Exito – Los Cardenales Protestan
Label: DISCOMODA – DCM-730 Format: Vinyl, LP, 1970
Rincón Morales & Raiza* – Gaitas '70 (La Rua Con Raiza Portillo)
Label: Velvet (2) – LPV-1557 Format: Vinyl, LP 1970
Las Estrellas Del Zulia* – Las Estrellas Del Zulia
Label:Sonus (2) – LPS-227Format:Vinyl, LP, 1972
El Conjunto Saladillo – 10º aniversario
Label:DISCOMODA – DCM-810Format:Vinyl, LP, 1972
Guaco – Bubu Guaco
Label:CBS – DCS-6060 Format:Vinyl, LP, 1973
Guaco - No Diga Que No Los Ha Escuchado Ni Los Ha Visto
Label: CBS - DCS - 6.066 LP 1974
A lo largo de esta sección hemos explicado cómo la gaita comercial hace su aparición en los años 70, exigiendo cambios estéticos y sonoros que hicieran más atractivo el producto fonográfico, con impacto en las ventas, la publicidad, las presentaciones en vivo y su difusión radial y televisiva.
Lo más relevante en esta etapa es la incorporación del bajo, tanto acústico (contrabajo) como eléctrico. Posteriormente se sumarían otros instrumentos como las congas, la guitarra eléctrica y el piano, tanto acústico como eléctrico.
Uno de los primeros ejemplos de estas inclusiones lo encontramos en la que puede considerarse la primera gaita comercial que incorporó el piano:
Guaco – No diga que no los ha escuchado ni los ha visto
Sello: CBS – DCS 6.066, LP de 1974.
En el tema Mi Gaita Tiene Montuno, interpretado por quien consideramos el precursor de la gaita vanguardista o de avanzada, Nerio Franco, se introduce un nuevo lenguaje dentro del género.
El Montuno que tiene esta Gaita
Mira, Tiene un ritmo alegre de parranda
Pero, suena, pero suena
Suena, pero suena
No me digas 'na
que ya lo sabe todo el mundo, el mundo
No me digas na, como los Guaco no hay ninguno
Este tema es el primero en adoptar un estilo que luego sería muy utilizado por Guaco, conocido como “La Mitad”, el cual consiste en una primera sección en gaita de furro con compás de 6/8, y una segunda parte en gaita de tambora, con compás de 4/4. Esta nueva variante enriqueció profundamente el lenguaje de la gaita zuliana, despertando el deseo de experimentar con melodías, armonías y rítmicas más complejas, dentro de un formato instrumental moderno que incorporaba bajo, piano, guitarra eléctrica y congas.
La Tamborera o Gaita de Tambora
Denominada tamborera o gaita tambora, es un ritmo en compás 4/4, derivado del chimbánguele, una batería de tambores conformada por tres instrumentos: primero, segundo y requinto. Esta forma musical proviene del sur del Lago de Maracaibo, específicamente de localidades como Gibraltar, Bobures, Batey y Palmarito. Su base rítmica también incorpora influencias del compás 4/4 de la llamada Gaita de Santa Lucía.
El primer grupo gaitero que innovó y popularizó este subgénero —hoy conocido comúnmente como tamborera— fue Gran Coquivacoa, conocidos también como los Reyes de la Tamborera. Esta propuesta fue impulsada por Nelson Martínez, quien compuso y recopiló varias de estas piezas. Las primeras tamboreras llevaban numeración en lugar de título, como Tamborera #1, Tamborera #2, Tamborera #3, hasta llegar a obras como Tamborera #7, también conocida como Macario (1974).
Durante esos mismos años, agrupaciones como Rincón Morales, Los Morillo (Lila Morillo: Tamborera 73), e incluso nuevos grupos surgidos en Caracas (Portentosos, Caracuchos, Mantuanas) , Barquisimeto y Mérida, adoptaron e incorporaron tamboreras a su repertorio. Sin embargo, agrupaciones tradicionales como El Saladillo y Cardenales del Éxito se abstuvieron de interpretar este subgénero, manteniéndose fieles a la gaita de furro tradicional.
Cabe destacar el tema "Bobiné", incluido en el LP Los Indestructibles de Rincón Morales (1974), donde además se experimenta con la guitarra eléctrica con efecto wah-wah, una auténtica novedad para una agrupación que hasta entonces se caracterizaba por un enfoque más conservador.
Entre las tamboreras más emblemáticas se encuentra "La Flaca", considerada una pieza obligada en el repertorio del subgénero, junto a otras como "Macario" y "San Benito". Posteriormente, grupos como Maracaibo 15 también hicieron suyo este estilo, destacando temas como "Amparito" de Ricardo Portillo, entre muchas otras. Esta nueva ritmica de la tamborera o gaita tambora que viene a contrastar con la gaita de furro, requeria mas fuerza en lo ritmico, y como veremos mas adelante habria que incorporar timbales, bateria, y demas recursos ritmicos.
No gaiteros tocando gaita?
Podemos mencionar a Los Cunaos en su LP Vol. 2 aparece en su repertorio "Amigos" una gaita orquestada que trata acerca de la migracion estudiantil de venezuela, es una polifonia con excelente instrumentacion y arreglo, como dato curioso es la primera gaita que en vez de arrancar el cuatro o piano, lo que arrancan es un par de charrascas floreadas.
Previamnte ya Aldemaro Romero en su LP "El Fabuloso" 1969 (Novgorod Discotheque Caracas) para el que compuso "Tonta, Gafa y Boba" gaita de furro instrumentada con formato y estructura de trio de jazz: Piano, Bajo y Bateria. En las producciones del grupo Onda Nueva (1969-1976) hubo otras gaitas tamboras que contribuyeron a los que hoy es gaita de avanzada, experimental o de vanguardia: "Tu y Yo Formamos una Multitud", "Maracucha" y "Toma lo que te Ofreci".
Articulo escito por Eleazar Lopez en este LP:
"¿Qué hubo de especial durante el mes de diciembre en Caracas?
¿Hallacas?
¿Nacimientos?
¿Aguinaldos?
¿Espíritu navideño?
¡Menos!
¡Mucho menos!
4 de diciembre, 10 p.m.: Se inaugura el Novogrado, uno de los centros nocturnos más importantes del mundo, con un homenaje a Aldemaro Romero, artista que se ha convertido en figura clave para conciertos y espectáculos durante todo el mes.
14 de diciembre, 12 p.m.: El Novogrado cierra sus puertas: El público no cabe en los salones. Todo se vendió. ¡Todo se agotó!
5 de diciembre, 8 p.m.: Aldemaro presenta su espectáculo Onda Nueva con los mejores músicos: Jorge y Yolanda, introducidos por “Cris Ni Win” y por el maestro Aldemaro Romero en el piano. Se incorpora Frank “El Niño” Hernández, con la orquesta de Aldemaro. Con arreglos de Romero y acompañamiento de cuerdas, los solos de trompeta son ejecutados por el afamado Humberto “Pavo” Frank, y los arreglos responden a la fusión de lo popular y lo clásico.
El maestro Aldemaro, tras su estadía en España, regresa a Caracas para presentar un espectáculo de nivel internacional.
—“Por fin, por fin lo escuché”, suspiró una admiradora.
—“Esto es lo más decente, una tarima eléctrica acerca el piano a la gente”.
—“Buenas noches, damas y caballeros”, anuncia Aldemaro. “Bienvenidos al Novogrado.”
¡It’s show time! ¡Llegó la hora del show!
Aldemaro abre el espectáculo con Jorge y Yolanda sonriendo del lado izquierdo del escenario. El piano de Romero vibra. El público, emocionado. Los temas: Alma Llanera, Araguita, Pajarillo, La bella del Tamunangue. En la segunda parte, se incluyen temas como Ansiedad, Tucacas, Moliendo Café y Tonta, gafa y boba. La reacción es entusiasta, como si el público estuviera ante un artista internacional.
—“¡Viven!”, reafirma Aldemaro. “Son los músicos de mi tierra. Los verdaderos músicos venezolanos. Aquí está la Onda Nueva.”
El público aplaude. Un periodista exclama: “¡Se merece todos los premios!”
Una señora le pregunta a Aldemaro:
—“¿Y no va a cantar?”
—“No, no voy a cantar”, responde sonriendo. “Mi música debe hablar por sí sola.”
Y habló. Habló con fuerza, con ritmo, con modernidad.
Y el mes de diciembre en Caracas tuvo nombre propio: Aldemaro Romero."
Otro exponente que experimento con la gaita fue Enrique Atencio, que presenta en su produccion: London Records – LPS-88.203 1973 el tema "Debora" (Ramon Bracho Lozano) estructurado por : guitarra electrica, bajo y bateria, considerandose como un LP de coleccion muy interesante y curiosa.
Gaita con Orquesta!!!
Ese es el grito de Cheo Garcia al inicio del tema compuesto por Billos Frometa en 1971 en su LP "Billo's Caracas Boys – Billo’ 71" Label: Billo – BLP. 538 Format: Vinyl, LP, 1970.
"Se acabo la tradicion ya no es solo regional
la gaita es inspiracion de caracter nacional.
La gaita se interpretado con furro cuatro y tambora
y con charrasca sonora maracaibo la ha cantado
Ya la gaita es con orquesta esta es la gaita del dia
con ritmo alegre de fiesta les canta Cheo García
Para todos los zulianos yo canto por estos lares
canto para mis hermanos junto con Memo Morales
Ya llegó la gaita: gaita con billo bailemos la gaita de venezuela
encuentren hallaca pa noche buena con ritmos de fiesta y una botella
(Estribillo)
Ya llegó la gaita, gaita con Billo, Nacida en el zulia ,de Venezuela
llegada a Caracas, pa nochebuena ,con ritmos de fiesta y una botella"
Basicamente estuvo orquestada al estilo de este maestro guarachero agregando la percusion de gaita.
Gaita con Orquesta Filarmonica
National Philarmonic Orchestra Of London* – Venezuela Suite Zulia (Productor Freddy Leon, Direccion: Frank Barber) Discos León C.A. LP. 1011
Para hacer esta obra se unieron diversas canciones populares y folclóricas venezolanas en la modalidad de suite, una especie de mosaico armónico. Y para su interpretación participaron la National Philarmonic Orchestra of London y la Real Orquesta Filarmónica de Madrid. "Suite Zuliana" (1980) se grabó en los C.B.S. Studios de Londres bajo la batuta del director Frank Barber, el mismo que participó en varios soundtracks de Hollywood, y que mostró vivo interés por esta música venezolana. En esta suite se incluyeron clásicos de la música popular y folklorica del Zulia tales como: "Los pregones" de Rafael Rincón González, Brisas del Zulia", "Chinita de Maracaibo" o "La Cabra Mocha".
Aunque la atmosfera de esta "suite" es netamante sinfonica, es un avance y devenir de las diferentes vertientes que derivaron de aquella gaita tradicional.
Transformaciones de la tambora en la transición hacia la gaita comercial
En todo este proceso de transición de la gaita tradicional y popular hacia la gaita comercial, los cambios no solo provinieron de la incorporación de nuevos recursos instrumentales, como los enumerados anteriormente (bajo eléctrico, piano, congas, etc.), sino también de transformaciones aplicadas a los instrumentos originarios de la gaita: tambora, charrasca y furro.
Uno de los cambios más notables ocurrió con la tambora. En la gaita tradicional y folklórica, este instrumento se ejecutaba colocándolo en el suelo o en un atril, de forma horizontal o transversal:
Esta fue la forma originaria de ejecución de la tambora. Ya en los sesentas se comenso a utilizarse el modo de ejecutar la tambora entre las piernas:
Ya en la década de los años 60, comenzó a popularizarse una nueva manera de ejecución: colocarla entre las piernas del ejecutante, al estilo del bongó.
Cabe destacar que esta segunda forma de tocar la tambora entre las piernas, según lo investigado, fue inspirada en la técnica del bongó, ya que permite un acceso más cómodo y preciso al cuero, al aro y a la madera del instrumento. Esta postura facilita una mayor libertad de repiques y mejora la ergonomía del ejecutante. Desde siempre se han utilizado dos baquetas para su ejecución.
En cuanto al sonido, el timbre del cuero evolucionó hacia una sonoridad más grave y seca, lo que en el argot gaitero se describe como un sonido más “gordo”. Originalmente, la tambora tenía el cuero claveteado, fijado de forma permanente. Con la expansión de la gaita comercial, comenzaron a fabricarse tamboras con aros de presión, al estilo de las congas o tambores de batería, lo que permitió mayor control de la afinación.
Para lograr ese sonido grave y seco, se empezó a utilizar un relleno interior que amortigua los armónicos del cuero. Además, se implementó un taco de madera o golpeador sobre el casco de la tambora, hoy dia las tamboras sustituyen ese taco o golpeador por un liston de madera resistente en la zona donde se ejecutan los repiques con las baquetas.
A partir de estos cambios, se establecieron dos estilos de ejecución que pasaron a conocerse como:
Golpe Viejo (forma tradicional)
Golpe Nuevo (forma moderna o comercial)
También es común en la ejecución moderna el uso de dos tamboras simultáneas:
Una primera tambora: protagonista, repicante, creativa.
Una segunda tambora: seguidora, básica, de apoyo rítmico.
A continuación, los cifrados rítmicos típicos de cada estilo:
GOLPE VIEJO
(C = Cuero | M = Madera)
M - C - C - M - C - M - M - C - C - M - C - M - M - C - C - M - C - M - M
GOLPE NUEVO
(C = Cuero | M = Madera)
M - C - M - M - C - M - M - C - M - M - C - M - M - C - M - M - C - M - M
Los repiques en la gaita tradicional o folklorica (golpe viejo) siempre se aplican en la madera, tanto en los inicios o "llamadas" de la gaita, asi como el pase de floreo a trancao. En el golpe nuevo los repiques se pueden aplicar tambien en cuero dandole una variedad y complejidad comparativamente mas atractiva por su vistosidad al alternar repiques no solo en madera sino tambien en cuero.
El resto de los instrumentos que tradicionalmente se mantenían en la gaita, como la charrasca, el cuatro y el furro, también sufrieron cambios en su adaptación al terreno de las producciones comerciales, llevándolos hacia un sonido más fresco y novedoso. Basta con contrastar las ediciones de LPs de los primeros años de la década de 1970 con las de finales de esa misma década para apreciar que se trató de una coyuntura musical significativa.
Los puristas y conservadores, incapaces de entender que toda música —como expresión viva— ha evolucionado a través del tiempo, ignoran que los géneros entranen simbiosis con corrientes exógenas, dando origen a nuevos subgéneros y estilos. Pretender que la música se mantenga tal como nació en la antigüedad es un absurdo histórico.
Por ejemplo, si los africanos exigieran un purismo absoluto, aún tocaríamos como se hace en Senegal. Si los españoles reclamaran la permanencia exclusiva de sus villancicos y zambombas, el aguinaldo y la gaita venezolana no existirían como los conocemos hoy.
Lo tradicional, popular y folklórico seguirán existiendo por siempre. El surgimiento de nuevas tendencias no los excluye, sino que los complementa y revitaliza.
El Bajo: Odiado por Muchos y Estilizado por pocos:
Reflexiones sobre un instrumento esencial
Hablemos del bajo, ese instrumento muchas veces subestimado, pero absolutamente fundamental en la estructura sonora de cualquier género musical, incluida la gaita.Originalmente, según notas recopiladas de registros tempranos, la incorporación del bajo en las primeras etapas de la gaita se dio a través del bajo acústico, más correctamente denominado contrabajo, y conocido en el ámbito del jazz como up-right bass o baby bass (en su versión portátil). Su timbre es más suave y discreto, ideal para géneros tradicionales, y posee cuatro cuerdas sin trastes, lo que le otorga un carácter melódico más fluido y una sonoridad cálida.
Contrabajo (Bajo acústico)
Afinación estándar (de la cuerda más grave a la más aguda):
E1 – A1 – D2 – G2
(Mi – La – Re – Sol)
Esta afinación es idéntica al bajo eléctrico de 4 cuerdas, pero el contrabajo suena una octava más baja de lo escrito en partitura (como instrumento transpositor). Algunos contrabajistas utilizan una quinta cuerda afinada en C1 (Do grave) o un sistema de extensión en la cuerda de Mi para alcanzar notas más graves (como D♭ o C).Ahora su contraparte electro-acustica de cuatro cuerdas (E A D G)
Bajo eléctrico de 4 cuerdas
Afinación estándar:
E1 – A1 – D2 – G2
(Mi – La – Re – Sol)
Igual que el contrabajo, pero con tensión más uniforme, entonación más precisa y mayor proyección en amplificación.
Sus mayores contribuidores en la gaita comercial y de avanzada o vanguardia han sido relevantes: Carlos Sanchez, Sundin Galue, Romer Quintero entre muchos otros.
Carlos “El Rookie” Sánchez: (1948–2023)
Músico, bajista, locutor y figura emblemática de la gaita zuliana Carlos “El Rookie” Sánchez fue ampliamente reconocido por su paso por agrupaciones emblemáticas como Guaco, Rincón Morales y La Universidad de la Gaita, así como por su destacada trayectoria en la radio y televisión regional, donde promovió incansablemente la gaita y la salsa. Nació en el seno de una familia de músicos, y desde muy joven aprendió a tocar el cuatro de la mano de su padre.
Entre los años 1972 y 1980, fue bajista de Guaco, participando en un período clave para la evolución de la agrupación hacia una sonoridad más moderna y orquestal. Fue parte de la histórica alineación que grabó el disco Guaco 80, pero tras esa producción se produjo una "salida masiva de músicos", entre ellos Carlos Sánchez, Ricardo Portillo, Simón García, José Luis García, Salvador Baglieri y Argenis Carruyo, quienes decidieron emprender nuevos proyectos musicales independientes, enriqueciendo con ello el panorama sonoro del Zulia y del país.
El domingo *19 de marzo de 2023, asistió al gimnasio Pedro Elías Belisario Aponte al juego inaugural entre Gaiteros del Zulia y Brillantes. Tan solo dos días después, el martes 21 de marzo, falleció sorpresivamente a los 74 años de edad, víctima de un infarto fulminante, tras ser trasladado de emergencia a la Clínica Sagrada Familia Norte.
Carlos “El Rookie” Sánchez deja un legado imborrable como artista integral, cuya trayectoria atravesó escenarios musicales, cabinas de radio y estadios deportivos, siempre con el carisma y la entrega que lo caracterizaban. Su vida y obra forman parte esencial del patrimonio cultural del Zulia y de la memoria viva de la gaita venezolana.
progresión armónica muy interesante y poco convencional, que rompe la expectativa tradicional de resolución en tonalidad mayor. Vamos a analizarla paso a paso, tanto desde la estructura armónica como desde su efecto en el bajo, considerando que estamos en Do mayor (C):
Progresión armónica Do Mayor
C – Dm – G5 – Em – D# – Dm – C#m – C
Análisis acorde por acorde
C (I) – La tónica, punto de partida en Do mayor.
Dm (ii) – Submediante menor, prepara la dominante o genera movimiento.
G5 (V sin tercera) – Dominante suspendida, crea tensión sin definir modo (ni mayor ni menor).
Em (vi) – Submediante menor. Aquí, se rompe la expectativa de volver a la tónica y se toma una vía alterna, dando un color melancólico.
D# (Eb mayor) – Este acorde no pertenece a Do mayor. Funciona como un acorde cromático de paso descendente. Crea sorpresa y modulación pasajera.
Dm (ii) – Reaparece como descanso tonal breve tras el D# cromático.
C#m (Do sostenido menor) – Un acorde completamente fuera del tono, funciona como alteración cromática tensa, preparando una resolución dramática e inesperada.
C (I) – Regreso a la tónica. Por contraste, esta resolución final se percibe más fuerte, reposada o conclusiva.
Análisis armónico Ciclo de Cuartas:
F (Fa mayor) – Subdominante (IV) en la tonalidad de Do. Establece color y amplitud.
Fm (Fa menor) – Variante modal del IV. El paso de mayor a menor (IV → iv) es un recurso expresivo muy usado en música romántica y progresiva.
C (Do mayor) – Tónica clara. Punto de reposo.
A5 – Acorde de sexta mayor sin tercera. Funciona como acorde de paso/enlace o como dominante secundaria disfrazada.
En este caso, puede entenderse como un camino hacia Dm (ii), ya que A7 sería V7 de Dm, pero se usa como A5 para mantener ambigüedad modal y color contemporáneo.
Dm (Re menor) – Segundo grado (ii), acordemente menor. Prepara retorno al centro tonal o puente.
Cm# (Do sostenido menor) – Acorde fuera del campo armónico, cumple función cromática de tensión máxima justo antes del retorno.
C (Do mayor) – Resolución. La llegada se siente conclusiva debido a la progresión cromática ascendente en el bajo (C# → C).
Sin ánimo de complicar técnica o musicalmente este capítulo, es importante destacar de forma sencilla cómo se construyen y combinan las líneas de bajo en la gaita tradicional y comercial. En términos básicos, la nota que lidera el acorde (la fundamental) suele ir acompañada por su quinta, la cual puede ser ejecutada:
una octava por debajo,
una octava por arriba,
o alternándose entre ambas según el estilo rítmico y la intención del ejecutante.
Esto crea una línea sólida, rítmica y armónicamente estable, que define la base del acorde sin sobrecargar el arreglo.
Ejemplo en tonalidad de Do mayor (C):
Notas fundamentales y quintas combinadas:
C2 – G3 – G1 – G3 – C2 – G3 – G1
Aquí:
C2 es la fundamental (Do en la segunda octava grave),
G3 es la quinta (Sol en una octava más alta),
G1 es la misma quinta (Sol) pero en la octava más baja.
Este patrón crea una sensación de movimiento cíclico y da profundidad al bajo, manteniendo un anclaje tonal rítmico, especialmente útil en géneros como la gaita, donde la percusión y la métrica son esenciales. Este principio se aplica de manera consistente en muchos temas gaiteros, sobre todo en pasajes de acompañamiento, introducciones, o partes rítmicas antes de entrar la voz principal.
Teclado o Piano: Entre la salsa, la onda nueva ....
La incorporación del piano a la gaita zuliana se dio como parte del proceso de modernización y comercialización del género, y puede ubicarse con mayor claridad a comienzos de la década de 1970. Aunque no existe una fecha exacta, los registros discográficos y testimonios apuntan a que el piano comenzó a usarse de forma consciente y estructural en la gaita en producciones que buscaban ampliar su espectro armónico y estético, especialmente bajo la influencia de músicos con formación académica.
Primeras incorporaciones del piano en la gaita: "Mi Gaita Tiene Montuno" (LP 1974, CBS)
Uno de los primeros ejemplos documentados del uso del piano como instrumento armónico y rítmico dentro de una gaita. El piano en este tema fue ejecutado por Nerio Franco, y es considerado pionero de la llamada gaita de avanzada o vanguardista. El piano fue incorporado a la gaita zuliana de manera clara y funcional a partir de los años 70, con una intención estética de renovación, complejidad armónica y apertura al mestizaje con géneros como el Jazz, la Salsa y la Onda Nueva.
Veamos sus progresiones de acordes y arpegios que mayormente son septimas, tanto en tonos mayor como en tonos menor, a continuacion ciframos los acordes:
En la ejecución del piano ende la gaita, especialmente en su vertiente comercial o estilizada, se utiliza una técnica conocida coloquialmente como "pianeo", que consiste en la realización de arpegios o patrones armónicos ejecutados de forma ascendente o entreverada. Estos arpegios no se tocan como acordes planos (bloqueados), sino que se descomponen las notas del acorde en secuencias rítmicas, lo cual enriquece el acompañamiento y lo hace interactuar sincopadamente con la percusión y el bajo.
Durante la primera parte del verso, especialmente en los floreados iniciales, el piano —al igual que el cuatro y la charrasca— actúa como instrumento de apoyo melódico y ornamental, aportando color y dinámica sin sobrecargar la base.
En la repetición del verso, el pianista suele intensificar el acompañamiento mediante arpegios más marcados o "montuneados", es decir, siguiendo patrones rítmicos repetitivos similares al montuno de la salsa o el son cubano, lo cual refuerza el impulso rítmico y crea una textura más densa y bailable.
Este tratamiento del piano aporta tanto movimiento como coherencia armónica al ensamble, y se ha convertido en una de las señas de identidad más claras de la gaita moderna y de fusión.
Hasta aquí el apartado correspondiente a la armonización entre el bajo y el piano en la gaita. Sin pretender ser una guía de aprendizaje o un manual sobre cómo ejecutar estos instrumentos dentro del género, lo que aquí se ha presentado es una descripción general de los fundamentos armónicos básicos, así como del despliegue de acordes y arpegios que comenzaron a incorporarse de manera innovadora desde los primeros experimentos en la gaita comercial y que, hasta el día de hoy, continúan evolucionando y marcando vanguardia. Estos elementos no solo enriquecen el acompañamiento, sino que han contribuido a definir una estética sonora contemporánea dentro de la gaita avanzada, abriendo nuevas posibilidades expresivas y técnicas que siguen siendo exploradas y desarrolladas.
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Como la Gaita trasendio del feudo Zuliano al resto de Venezuela
La construcción del Puente General Rafael Urdaneta representó un hito fundamental en la integración del estado Zulia con el resto del país y, en consecuencia, en la expansión de la gaita zuliana más allá de sus fronteras geográficas. Este imponente viaducto de 8.678 metros de longitud, conocido también como el Puente sobre el Lago, acortó significativamente las distancias y los tiempos de intercambio entre la costa occidental del país, Maracaibo y otras regiones del Zulia.
Su construcción se inició a finales de la década de 1950 y se extendió durante cinco años. Fue finalmente inaugurado el 24 de agosto de 1962 por el entonces presidente de Venezuela, Rómulo Betancourt. Durante varios años, fue considerado el puente más largo del mundo en su tipo, así como una de las mayores estructuras de hormigón armado jamás construidas hasta ese momento.
Esta obra de ingeniería no solo facilitó el transporte y el comercio, sino que también abrió camino a un flujo cultural más dinámico, permitiendo que agrupaciones gaiteras, discos, emisoras y festivales comenzaran a salir del Zulia y a establecerse en Caracas, Valencia, Barquisimeto y otras ciudades. Así, la gaita dejó de ser una expresión exclusivamente regional para convertirse en un símbolo musical nacional, con amplia aceptación en todo el país y, más tarde, en la diáspora venezolana.
Los estados, ciudades y regiones más receptivos a la gaita zuliana —y que eventualmente la adoptaron como parte de su repertorio musical navideño y popular— fueron principalmente:
Distrito Federal (Caracas) y La Guaira: La capital del país se convirtió en el principal centro de difusión masiva de la gaita a través de emisoras radiales, programas de televisión, disqueras y agrupaciones nacidas fuera del Zulia. La Guaira, como puerto y zona metropolitana cercana, también abrazó rápidamente el género.
Barquisimeto (Lara): Por su tradición musical, la ciudad fue una de las primeras en organizar agrupaciones gaiteras propias y recibir con entusiasmo el repertorio zuliano, integrando incluso elementos corales y académicos.
Puerto La Cruz (Anzoátegui): Ciudad costera con fuerte actividad cultural y turística, donde la gaita se difundió desde los años 70 con apoyo de emisoras locales y fiestas patronales.
Nueva Esparta (Margarita): Gracias a su carácter turístico y su apertura cultural, la gaita fue acogida como parte esencial de las festividades decembrinas en la isla.
Ciudad Guayana y Angostura (Bolívar): Con un crecimiento industrial vertiginoso en los años 60 y 70, Ciudad Guayana atrajo población de todo el país, incluyendo zulianos, lo que facilitó la instalación de agrupaciones gaiteras locales y festivales navideños con presencia de la gaita.
Mérida y Tachira (Andes venezolanos): A pesar de su fuerte identidad musical andina, Mérida fue especialmente receptiva al género, particularmente en ámbitos estudiantiles y universitarios, donde surgieron agrupaciones gaiteras propias.
Estas regiones no solo consumieron la gaita zuliana, sino que también la reinterpretaron, recrearon y ayudaron a expandirla, dándole matices propios y convirtiéndola en una manifestación nacional que traspasó sus límites originarios.
De tradición regional a símbolo nacional
La gaita, sin abandonar su esencia zuliana, fue recreada por cada región, adaptada a sus acentos, voces e instrumentos. La diáspora interna y luego la migración internacional contribuyeron a su proyección más allá de las fronteras, convirtiéndola en un símbolo de venezolanidad en cualquier rincón del mundo. Este fenómeno demuestra que lo popular no es sinónimo de lo local: la gaita dejó de ser patrimonio exclusivo del Zulia para convertirse en un bien cultural de todos los venezolanos.
Discografica "Integra" y dinastia de Arreglistas en la Gaita:
Para 1980 existio una discografica llamada "Integra" ( Interamericana De Grabaciones, S.A.) se enfocaba en el gran boom salsero de ese entonces. producciones de bandas, orquestas y artistas como: Trabuco Venezolano, Iraquere, Estrellas de Areito, Son 14, Madera, Mango y Guaco... Y aunque no sea del genero gaitero hablemos de los que "Trabuco Venezolano" significo para la gaita y su continuidad transformadora en los 80s.
Hay dos producciones que tienen muchisima relacion entre ellas: Guaco 80 (IG-10.021) y Trabuco Venezolano (YVKCT/Integra) en un solo tema "Maracucha" (Ricardo Hernandez):
Coinciden en produccion: Trabuco y Guaco:
El tema "Maracucha" compuesto por Ricardo Hernandez y en la voz de Gustavo Aguado se presto para su orquestacion y arreglo de manos del gran maestro Alberto Naranjo (1941-2020) el resultado fue sorprendentemente original, con una atmosfera salsa/jazz y con distribucion "la mitad": primera parte en 6/8 gaita de furro y segunda parte 4/4 gaita tambora. Cesar Miguel Rondon hizo el articulo del LP Trabuco #3 donde escribe la contra-portada y analiza el proyecto Trabuco desde los arreglos estructura y produccion en general: Era la Fania All Star de Venezuela.
El tema "Maracucha" fue incluido en ambos LP el del Trabuco y el de Guaco a modo de surco producido por ambos, gracias a la disquera Integra. Esto catapulto a Guaco y a la gaita como en constante evolucion:
"Maracucha, ritmo y gaita tienes maracucha,
Tu mirada es un sol que quema mi alborada
Bailando gaitas no hay quien te gane
porque en tu sangre ya el ritmo sale,
Blanca o morena, bellas caderas,
Hueles a flores en primavera
Bailando gaitas no hay quien te gane
porque en tu sangre ya el ritmo sale,
Blanca o morena, bellas caderas,
Hueles a flores en primavera
Tienes encantos divinos, risa que del lago vino,
en tus ojos hay luz y en tu cara sonrisa feliz
Bailando gaitas no hay quien te gane
porque en tu sangre ya el ritmo sale,
Blanca o morena, bellas caderas, hueles a flores en primavera
Tienes encantos divinos, risa que del lago vino,
en tus ojos hay luz y en tu cara sonrisa feliz.
CORO
Maracucha, tú me gustas, maracucha (te quiero)
Linda maracucha, tú eres mi querer
Por eso es que bailando yo te quiero ver
Maracucha, tú me gustas, maracucha... etc"
Nota: Previa esta produccion Guaco se divide internamente en el año 1980. salen de Guaco: Chichilo Urribarri, Ricardo Portillo (solista), José Luis García (piano) y Salvador Baglieri (guitarra) Carlos Sanchez (bajo) . Y entran Amilcar Boscan (solista) , Alejandro Avila (piano), Sundin Galue (bajo), Romer Quintero (guitarra). Por ahi existe una grabacion "underground" de los temas grabados antes de la separacion.
Orquesta Trabuco Venezolano:
Arranged By, Directed By, Drums, Producer, Mixed By – Alberto Naranjo
Bongos, Guiro, Percussion – Luisito Quintero
Bongos, Percussion – Chu Quintero (pistas: A2, A4, B2)
Chorus – Carolina Landaeta, Grecia Naranjo, Rosalía Quintero
Congas, Percussion – Felipe "Mandingo" Rengifo
Electric Bass – Lorenzo Barriendos
Electric Bass, Guest – José Velásquez (2)
Engineer, Mixed By – Ricardo Landaeta
Executive Producer, Graphic Design – Orlando Montiel
Graphic Design – Santiago Pol
Lead Vocals – Carlos Daniel Palacios (pistas: A4, B1), Carlos Spósito (pistas: B2), Gustavo Aguado (pistas: B4), Joe Ruiz (pistas: A2), Moisés Daubaterre (pistas: A3, B3)
Percussion – Grupo Madera (pistas: A2)
Percussion, Guest – Manuel Urbina
Photography By – César Salazar, Filippo Bilotti, Oscar Booy
Piano – Samuel Del Real
Timbales – Frank Hernandez (5)
Trombone – Leopoldo "Pucho" Escalante, Mauricio Silva, Rafael Silva
Trombone, Guest – Alejandro Pérez Palma, Carlos Espinoza (hijo), Carlos Guerra Jr., César Monge, Oscar Mendoza
Trumpet, Flugelhorn – Gustavo Aranguren, José Díaz Fuentes, Lewis Vargas, Luis Arias (2)
Trumpet, Guest – Carlos D'Leon, Elías Guerra, Gerardo Alonso, Pablo Armitano
Este evento, que reunió a dos grandes íconos de la música venezolana, marcó un hito en el desarrollo creativo y estético que comenzaría a desplegarse con fuerza en la naciente década de los años 80. Puede afirmarse que existe un antes y un después de este momento, ya que en las producciones posteriores se observa una evolución progresiva en la integración orquestal y en la complejidad de los arreglos musicales, los cuales fueron incrementándose año tras año, consolidando así un nuevo lenguaje sonoro dentro del panorama gaitero nacional.
Este salto cualitativo no fue fortuito: muchos músicos gaiteros comenzaron a formarse en conservatorios y academias musicales, lo que representó un giro decisivo respecto al enfoque empírico e informal que había predominado en las décadas anteriores. Esta profesionalización se reflejó claramente en la diferencia de resultados obtenidos por agrupaciones como Guaco, Gran Coquivacoa, Élite Gaitera, Jarana, Pillopo, entre otras, especialmente en secciones clave como el piano, el bajo, los teclados, los metales y la percusión.
Un caso emblemático de esta evolución es el de Ricardo Hernández, quien adoptó el modelo de dirección y arreglo orquestal desarrollado por Alberto Naranjo, el cual a su vez se inspiraba en la visión musical de Aldemaro Romero. En esta línea se puede hablar de una verdadera dinastía y herencia musical en el arte de la dirección y el arreglo, que dejó una huella duradera en la historia de la gaita venezolana.
Alberto Naranjo
Músico y compositor venezolano nacido en Caracas, Distrito Capital, el 14 de septiembre de 1941, y fallecido en la misma ciudad, el 27 de enero de 2020. Fundador de El Trabuco Venezolano. En 1977 Naranjo fundó El Trabuco Venezolano, una orquesta en la que adquirió fama rápidamente como arreglista y líder. El término trabuco es un término beisbolístico venezolano que se usa para describir una selección de los mejores jugadores de diferentes equipos. La orquesta fue creada por Naranjo en respuesta al nacimiento de una plétora de bandas de salsa amateur, que usualmente palidecían frente a los grupos de procedencia extranjera. Naranjo quería comenzar un movimiento musical con los mejores músicos y cantantes de Venezuela.
El Trabuco no tenía ideales comerciales específicos y estaba ideado para tocar en eventos culturales, en teatros y universidades, y aunque Naranjo nunca pretendió ser un músico de salsa, la banda tuvo considerable éxito en el género. En sus arreglos tendientes al jazz, sin embargo, Naranjo no utilizó la típica percusión menor de los instrumentos de salsa, como el güiro, las maracas y el clave, y trabajó con batería, congas, bongos, timbales, pianos y bajos al frente de las trompetas, trombones y saxofones, como en las antiguos ensambles de las big bands, lo cual no era común en bandas de salsa. Eventualmente, una guitarra eléctrica y una sección de cuerdas fueron añadidas al formato. El Trabuco grabó cinco disco de estudio y dos en vivo con el grupo cubano Irakere, con el que compartieron escena varias veces.
Entre los artistas cuyos discos fueron arreglados por Naranjo se encuentran Conexión Latina, Guaco, Ilan Chester, Simón Díaz, Oscar D'León, Ricardo Montaner, María Rivas y Aldemaro Romero. Naranjo también tocó con músicos de jazz como Jeff Berlin, Dusko Goykovich, Danilo Pérez, Arturo Sandoval, Bobby Shew y Dave Valentin. Las bandas que él ha dirigido han alternado con otras como las Estrellas de Areito, Larry Harlow, Eddie Palmieri y Chucho Valdés.
Naranjo murió en su apartamento de Parque Central en Caracas el 27 de enero del 2020.
Ricardo Hernandez
Cantante, compositor y productor venezolano (nacido en Maracaibo, estado Zulia, el 2 de noviembre de 1950), conocido como "El Maestro del Sabor", Ricardo Hernández es, desde la década de 1970, el legendario compositor de Guaco, la Súper Banda de Venezuela, reconocida por sus grandes vocalistas y talentosos compositores. También ha formado parte de agrupaciones como Estrellas del Zulia, Santanita y Los Ilustres.Tras su salida de Guaco en 1985, Ricardo Hernández fundó la banda Rococó, con la que continuó explorando nuevas fusiones musicales. También lideró la agrupación Sentimiento Nacional, manteniendo su estilo distintivo y su compromiso con la innovación en la música venezolana . La influencia de Ricardo Hernández en la gaita y la música venezolana es profunda. Su enfoque innovador y su habilidad para integrar diversos géneros han dejado una huella indeleble, inspirando a generaciones de músicos y consolidándolo como una figura emblemática en el panorama musical del país.
Observaciones clave:
Las agrupaciones con músicos formados académicamente tendieron a incorporar instrumentación moderna (piano eléctrico, sintetizadores, metales, bajo eléctrico con técnicas de jazz/funk). La influencia de Alberto Naranjo y Aldemaro Romero funcionó como un modelo de orquestación avanzada, adoptado en distintos grados por músicos gaiteros. Este fenómeno favoreció la creación de subgéneros como la gaita jazz, la gaita fusión, y las gaitas orquestales, que rompieron con el formato tradicional de cuatro, bajo, furro, tambora y charrasca como núcleo tradicional.
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